Läänepelobaadi poolt välja antud helid ja värsid

Läänepelobaadi poolt välja antud helid ja värsid

LOOMADE ERITATUD HELID

Lääne-pelobaadi salmid

Lääne-pelobaat, teaduslik nimetus Pelobaadid kultiveerivad on perekonna kärnkonnPelobatidae. Isased, eriti paljunemisperioodil (veebruar-aprill), teevad hämaras ja öösel naissoost meelitamiseks kõrgeid kõnesid. Kui päev on sünge või vihmane, karjuvad nad ka päeval.
Laulda saab ka vee all.


Jutustamine helidega

Kõik meie ümber on muusika

Seal on looduse ja pillide muusikat, rõõmu ja kurbuse muusikat, sõjaväelaste ja pidude muusikat, tantsimiseks ja palvetamiseks mõeldud muusikat. Muusika ümbritseb igaühe elu, saadab õnnelikke ja valusaid hetki nii täna kui vanasti.

Mitu muusikat on?

Meie elu toimub helirikkas keskkonnas. Kuid me pöörame sellele harva tähelepanu. Elame sagedamini helide ja müra keskel, pööramata neile tähelepanu. Ja isegi kui müra pole muusika, oleks oluline, nagu paljud muusikud on seda kutsunud, tunda maailma nii oma kõrvaga kui ka silmadega. Mõni 20. sajandi muusik tundis vajadust lisada oma kompositsioonidesse välismaailma helisid ja müra: Gustav Mahler paneb meid sümfoonias kuulma lehmakelli, George Gershwin taksosarvi, teised ikka kirjutamiseks autode tiksumist, vihtlemist. sireenid, lennukite müristamine lennul.

Kõigile on muusikat

Muusika on keel, mis on võimeline ühendama erinevaid kultuure ja maailmu, see väljendab universaalseid tundeid ja tekitab sügavaid emotsioone. Seda kuulame mitmel viisil ja on raske, kui mitte võimatu, leida õigeid sõnu, et öelda, mida kuulamine meist kõigis põhjustab. Muusikast võime öelda, kas see on õnnelik või kurb, natuke rohkem. Teame aga, milliseid emotsioone see meis tekitab, kui see meid liigutab, erutab või rõõmustab. Seetõttu ei armasta kõik ühte ja sama muusikat, sest kõik leiavad seda kuulates, mida nad vajavad või mis kõige paremini nende meeleolule vastab.

Esimene muusika

Esimesed muusikavormid lõi paleoliitikum, kasutades tema käsutuses olevate looduslike materjalidega ehitatud heliobjekte. Kaljude esituste ja ürginimeste uuringute põhjal võib oletada, et inimene lõi looduse jäljendamiseks helisid ning tunnetas vett, tuult, vihma, looma. Seejärel organiseeris ta need helid nii, et oleks kokku pandud meloodia ja rütm: ta õppis komponeerima ja varsti pärast seda oleks ta mõistnud muusika erakordset jõudu: emotsioonide väljendamist helide abil isegi ilma konkreetsete viideteta loodusnähtustele.

Legendid, mis räägivad muusikat

Vanad egiptlased nimetasid muusikat , st "rõõmu", mis nende arvates oli jumalate kingitus ja maagilised võimed. Nad uskusid, et jumal Thoth, universaalsete teadmiste valvur, on selle välja mõelnud ja et Osiris kasutas seda maailma korra, tsivilisatsiooni ja ilu toomiseks. Nagu egiptlased, arvasid ka teised idarahvad, et muusikal on päritolu jumalikku päritolu: India pühades raamatutes on öeldud, et Universumi looja polnud midagi muud kui kindel hingus, püha silp, väike tohutu jõuga muusika.

Kõige kuulsam muusikaga seotud legend puudutab müütilist lauljat Orpheust, Kreeka jumala Apollo poega, leelo leiutajat. Müüt räägib, et kui Orpheus laulis, jooksid linnud ja kalad tema jalge ees, tuul ja meri seiskus, puud ja kivid järgnesid talle. Tema muusika võlu, tema meeleheitlik laul pruudi Eurydice äkiliseks surmaks, liigutas isegi allilma isandat Plutot, kes lubas Orpheusel oma kuningriiki siseneda, et ta taas ellu äratada.

Paljud muusikud on rääkinud Orpheuse lugu kindlasti seetõttu, et selle kaudu saaksid nad öelda muusika erakordset jõudu, mis on võimeline isegi surma alistama. Esimesena pühendas Claudio Monteverdi 1607. aastal Orpheuse müüdile terve teose. Ta jäi truuks müüdi kurvale lõpule: Orpheus ei suuda Eurydice'i päästa, sest ta ei austa Pluuto seatud tingimust ja pöördub oma kallimat vaatama. 18. sajandil andis Christoph Willibald von Gluck oma loomingus loole õnneliku lõpu tänu jumala Armastuse sekkumisele.

Muusika elemendid

Meloodia ümisemiseks, rütm trummeldamiseks, harmoonia kõige segamiseks ja lõpuks teie valikul õrnad või tugevad, kõrged või madalad, tumedad või selged helid. Noodide üksteise järgimise kiirus võib erineda vastavalt maitsele: muusika võib kulgeda kiiresti nagu gasell, keerelda nagu pöörane mullivann või voolata aeglaselt nagu rahulik jõgi.

Helide suur mitmekesisus

Kõrge või madal, vali või nõrk, kiire või aeglane, hele või tume: iga muusika koosneb helidest, millel on erinevad helikõrguse, intensiivsuse, kestuse ja tämbi omadused. Kujutagem ette ööbiku trilli või hiire kriuksumist: nende hääled kõrged helid lendavad kõrgel õhus. Vastupidi, äikese müha tabab meid madalate ja sügavate helidega. See onkõrgus.

Seal on nii märkamatuid helisid, et need puudutavad vaikust nagu kevadine vihm, teised on kerged kui lainete loksumine mererannal, kolmandad on tugevad nagu kose kohin või lennuki kohin. See onintensiivsus või maht. Teine oluline helide element on kestus. Heli võib olla pikk ja püsiv nagu sügavas orus põrkava hääle kaja või lühike ja mööduv nagu näpuvajutus.

Viimane element on pitsat, see on heli „värv”, mis instrumentide kaupa erineb. Samal noodil, mille on valmistanud erinevad pillid, on erinevad tämbrid. A seal seda mängib oboe, see on nina ja kaeblik, see on trompetiga mängides helge ja särav, kontrabassi tekitamisel on see tume ja sügav.

Muusika koostisosad: meloodia, harmoonia ja rütm

Muusikapala komponeerimiseks ei piisa kindlasti helide järjestuse helistamisest: tuleb osata neile läheneda kindla maitsega, austades täpseid kompositsioonireegleid. Tihtipeale me juhatame ümisema ühte viisi, mis on meile külge jäänud: et see jääks meelde, on see meloodia mis on hästi üles ehitatud, on meeldiv ja on võimeline meis emotsiooni tekitama, meid liigutama, rahustama.

Ükskõik kui ilus oleks kadunud meloodia ilma saateta. Seda tuleb toetada ja lisada „sõbralikud” noodid, vähem toretsevad ja meeldejäävad, kuid võimelised andma teosele iseenda harmoonia. Viimane koostisosa on rütm. Sageli juhtub, et kuulate rõõmsat ja vaimustavat muusikapala ja alustate sellele mõtlemata, jalgu liigutamata, pead kiigutades või käsi plaksutades. Seda teadmata me oleme aja peksminesee tähendab, et me kordame teose sees tugevate ja nõrkade löökide järjestust. See on rütm: kui me seda tunneme, ei saa me muud teha kui selle peal tantsida!

Kuidas muusikat kirjutada

Kuidas kirjutada paberile noodid, mida peab mängima flööt või vioola? Probleem, mida polnud lihtne lahendada, kuna tegemist on helidega, mis on oma olemuselt tabamatud ja hõljuvad õhus. Kuid vähehaaval lahendus leiti. Alguses, kui instrumente veel ei kasutatud ja muusikat tehti ainult lauldes, kasutati intoneeritavate tekstide sõnade kohale või alla kirjutatud väikseid märke. Neile helistati neumes ja näidatakse, millal meloodia peaks minema alla või üles. Aga kui palju minna üles ja alla? Ja mille suhtes?

Mung Guido d'Arezzo mõtles lahenduse välja mõelda. Umbes aastal 1000 leiutas ta muusikalise personali, kuhu need märgid kirjutada, et täpselt näidata nende pikkust. Ta tegi rohkem: pani väikestele siltidele nime, mida töötajatele kirjutada. Sündisid noodid, muusika tähestik ja täpselt: ut (hiljem ümber kujundatud tegema), kuningas, mina, teeb, sol, seal, Jah. Lahendamiseks oli endiselt probleem: kuidas märkida helide kestus paberile? Alates 13. sajandist kasutasid heliloojad üht vormi pikkade nootide jaoks ja teist lühikeste märkide jaoks, meetodit, mida on vähe muudetud, kasutatakse tänapäevalgi.

Kehamuusika: tantsud, tantsud ja balletid

Tants on kehakeel. Päritolu mehed hakkasid omavahel suhtlema žestidega, isegi enne sõnadega. Seejärel kutsusid nad käte, jalgade ja kogu keha rütmilise liikumisega vihma saabumist, tähistasid võitu vaenlase üle, millele järgnesid pulmad ja matuserongkäigud.

Oleme loodud rütmist

Oma keha kuulates avastame, et kanname rütmi endas: kiiremini või aeglasemalt, meie süda lööb lakkamatult. Seetõttu on muusika kuulamise ajal loomulik liikuda ajas. Nii tegid ka meie esivanemad: nad ühendasid liikumise muusikaga ja andsid alguse tantsu.

Muistsete rahvaste jaoks oli kehakeel püha tähendus. Isegi tänapäeval tantsivad mõned hõimud enne jahile minekut maailma vanimas mandril Aafrikas. Seda tehes jäljendavad nad loomade samme, mida nad kavatsevad tappa: sel moel usuvad nad, et saavad oma jõu enda valdusse ja võimaldavad neid kinni püüda.

Satiinist sussid ja tossud

Maagilisest ja religioossest aspektist loobudes on tants muutunud kunsti- ja meelelahutusvormiks, mis on idas ja läänes omandanud erinevaid viise ja vorme. Prantsusmaal, päikesekuninga ajal, see tähendab 17. ja 18. sajandi vahel, arenes ballett täpsete mustrite järgi, mis nõuavad aastaid ja aastaid õppimist neile, kes seda soovivad harrastada.

Just 19. sajandi lõpu Venemaal olid kõigi aegade kuulsaimad balletid. Pëtr Il′ič Čajkovskij paistis silma võime eest tõlkida muusikasse teemad ja muinasjutulised atmosfäärid lugudest, mis teda inspireerisid ja komponeerisid tema kuulsaima balleti, Luikede järv, lapselastele.

Klassikalises balletis tantsivad tantsijad lehvivas tutuses tänu kriidist-jalatsitele kingil, järgides traditsiooni järgi jäigalt kinnitatud mustreid ja liigutusi. Aga milline pingutus! Millised hämmastavad trikid! Nad näevad välja nagu liblikad, kes lendavad.

Selle asemel riietuvad tänapäeva balletitantsijad sageli teksadesse ja t-särkidesse, tantsivad paljajalu või tossudega, liiguvad vabamas ja teravamas vormis. Nende liikumine, mitte liblika lend, viitab lõvi käpale või känguru hüppele. Moodsa tantsu juured pärinevad 20. sajandi esimestest aastakümnetest: just siis tantsijaid Isadora Duncan, vaba tants, ja Martha Graham leiutas tantsu ilma tutuste ja kingadeta, õpetades leidma inspiratsiooniallikat enda seest ja lisades nendesse uutesse tantsuvormidesse džässirütmid ja populaarsete traditsioonide žestid.

Valss, tango, boogie-woogie ja rock and roll

Sa ei tantsi ainult teatrilaval! Igal mineviku ajastul, aristokraatlike paleede saalides või maakera rehepeksupaikadel, lõbustasime end mõne pilli kõlades tantsides.

19. sajandi lõpus muutis valss Viini üheks suureks ballisaaliks. See oli talupoja päritolu tants, valdav ja kihisev. Isegi tänapäeval on Austria suure traditsiooni valsid väga kuulsad, sealhulgas väga kuulsad Ilusal sinisel Doonaul, koostaja Johann Strauss.

Argentinas sündis eelmise sajandi kahekümnendatel aastatel tango - tants, milles segunevad kurbus, nostalgia, aga ka viha ja julgus. Tango pärineb Kuuba rütmidest, mis on segatud Aafrika motiividega, mille mustad orjad tõid Ladina-Ameerikasse. Kaks tangueros nad tunnevad üksteise kohe ära: kallistavad üksteist tihedalt, vaatavad üksteist intensiivselt, põimivad keerulises akrobaatikas jalgu ja käsi ning lähevad siis tagasi vedelate ja sensuaalsete liigutuste juurde. Tundub, et neid võlub kirg, mida muusika edastab.

Teise maailmasõja lõpus, suure entusiasmi õhkkonnas, sai Ameerika Ühendriikides vägivaldse raputuse läbi viis, kuidas noored musitseerisid ja tantsisid: elutoas, klubides ja mõnikord isegi tänaval. käivitasime boogie-woogie ja vallandasime rokenrolli, näidates suurepäraseid trikke.

Tööriist kõigile: hääl

Igaühe kurgus on neli väikest voldikest. Neid nimetatakse häälepaelteks ja kuigi nad ei sarnane üldse viiuli ega kitarri omadega, kasutatakse neid siiski muusika tegemiseks. Kui need on hästi haritud, võimaldavad nad erikoolides õppimise kaudu kuulaja rõõmuks emiteerida delikaatseid ja harmoonilisi meloodiaid, trille ja kõlksatusi.

Milline, see hääl!

Isegi laulev hääl, nagu ka see, kes räägib, on küll aja jooksul muutuv, ainulaadne ja jäljendamatu nagu sõrmejälg. Häälepaelte paksus, pikkus, kopsude suurus ja viis, kuidas iga laulja on neid harinud, aitab kaasa sellele, et iga hääl eristuks teisest.

Ooperilauljad klassifitseeritakse tämbri, värvi, hääleulatuse põhjal erinevatesse tüüpidesse: tenorid, baritonid ja bassid on meessopranide hääled, mezzosopranod ja kontraltod naissoost. Tenorid on sopranid neil on samal ajal kõrged, väledad ja säravad hääled altosid on bass neil on sügavad ja tõsised hääled. Selle asemel kutsutakse laste hääli valged hääled ja need on selged, siledad ja kristallilised.

Laula kooris

Kooris laulmine on väga ilus: see loob suurepärase solidaarsuse ja sõpruse tunde ning on viis õppida õppima ennast ja teisi kuulama. Kooriga saate liituda juba varakult: suurepärane võimalus muusikamaailmaga seestpoolt tutvuda ja etendustest osa saada.

Kristlikus traditsioonis sai koorilaul alguse väga lihtsal moel: ustavad ülistasid Jumala kiidusõnadele kerge meloodia, millel puudub tõeline rütm ja harmoonia. Seda lauluviisi nimetati Gregooriuse laul, paavst Gregory Suure auks, kes hoolitses selle kasutamise levitamise eest 6. sajandil. Paavst kogus kõik laulud käsikirjana, mille ta oli kuldketiga Püha Peetruse altari külge sidunud: ta lasi sellest raamatust teha palju eksemplare ja asutas koole, mis levitasid kõikjal gregooriuse laulu.

Suurepärased muusikud ja koorimuusika

Paljud suurepärased muusikud on kirjutanud intensiivseid lehekülgi koorimuusikast: näiteks Ludwig van Beethoven soovis oma viimases sümfoonias tutvustada kooriosa, millega ta kavatses kutsuda rahu ja üldist vennaskonda. Ta uskus - ja tal oli kindlasti õigus -, et kutse on liikuvam ja köitvam just instrumentaalmuusika, soolohäälte ja koori olemasolu ja põimumise tõttu. Suure luuletaja värssidest lõi taOod rõõmule, millest tänaseks on saanud Euroopa Liidu ametlik hümn.

Isegi Giuseppe Verdi ooperid kasutavad sageli suure jõu ja iluga koorihetki. Väga kuulus on Mine mõtlema, tööl Nabucco: armas ja melanhoolne laul, mille paguluses elav juudi rahvas kavatseb väljendada nostalgia kaotatud kodumaa järele.

Tuhat lauluviisi

Inimhääl on muusikategemiseks kõige lihtsam tööriist. Ja tegelikult kasutame seda peaaegu kõik. Seda lauldakse selleks, et lapsed magama panna, tähistada, tähistada töörütme, marssi või tantsu. Mõnikord laulavad inimesed, et väljendada oma erimeelsusi, anda viha, valu või õnne vabad käed. Ja me laulame palvetamiseks kirikutes, kuid mitte ainult. Mõned suurepärased laulud Jumala poole pöördumiseks sündisid spontaanselt töökohal, näiteks puuvillapõldudel, kus kunagi aafriklased orjastasid, improviseerisid lihtsaid ja teravaid laule, mis sarnanesid valu ja mässu hüüdudega. Neid laule kutsutakse kirikulaul on vaimne: täna ei laulda nad enam põllul, vaid kirikutes ja kontserdisaalides ning neist on saanud osa muusikaajaloost.

Häälega saate teha ka naljakaid ja naljakaid asju, näiteks jäljendada muusikariistu. Koor Swingle Singers sai sellega kuulsaks: laulmise asemel kasutavad nad oma häält ... mängimiseks. Swingle Singerid jäljendavad suurepäraselt flööte ja trombone, viiuleid ja bassitrumme. See koor koosneb ainult kaheksast inimesest, neljast naisest ja neljast mehest, kuid selle kuulmine kõlab nagu terve orkester!

Kui muusika vastab sõnale

Ooperimajas tegelased selle asemel, et rääkida, laulavad ja laulavad oma lugusid, fantastilisi või naljakaid, traagilisi või õnneliku lõpuga. Selles kummalises muusika- ja sõnamaailmas on laulmise võimas ilu just see, mis pole lakanud kuulajaid enam kui 400 aastat või enam.

Ooperi võlu

Ooperi tegelased laulavad alati. Nad laulavad, kui nad surm duellis vastu lähevad, või isegi siis, kui nad surevad. Kui ooper sündis 17. sajandi alguses Firenzes, oli idee teksti ülalt alla muusikasse seadmine absoluutne uudsus.

Mõnes mõttes sarnaneb teos muinasjuttudega, milles uskumatu muutub usutavaks ja ebatõenäoliselt vastuvõetavaks. Nii et see võib juhtuda, nagu juhtub teoses Don Giovanni autor Wolfgang Amadeus Mozart, kes öösel surnuaias hakkab ootamatult laulma marmorkuju, ähvardab oma mõrvarit hauataguse häälega, võtab temalt kutse õhtusöögile, ilmub kokkulepitud ajal täpselt ... ja lõpuks lohista Don Giovanni kuradile!

Teatri koostisosad muusikas

Kui muusik soovib teose koostada, otsib ta kõigepealt loo ja luuletaja, kes selle salmis jutustaks. Seega on sellel tekst, ütles vihik, mille põhjal oma skoor kokku panna.Tegelikult on teose komponente kolm: tekst, laul, orkester. Helilooja saab nendega vabalt mängida, saades väga huvitavaid efekte. Ta võib otsustada, nagu juhtub 18. ja 19. sajandi loomingus, tegevuse blokeerida ja väga pikaks tunduva aja jooksul käivitada laulja akrobaatilises häälitsuses, panna teda kordama samu sõnu, alati koos erinevad intonatsioonid, mis paljastavad iga hinge saladuse. Muul ajal võib helilooja suure põnevusega stseenides otsustada põimida mitme tegelase hääled. Kui loo harmoonia ei oleks seotud, võib tulemus olla isegi tüütu, kuid see pole nii: mõlemal juhul on helilooja helide ja häälte ühendamise oskus selline, et isegi sõnade mõistmine on üleliigne. Muusikast piisab, et kõik oleks kristallselge.

THE tähemärki

Ooperis muudetakse tegelased äratuntavaks laulmise viisi ja muusika tüübi järgi, mille helilooja neile igaüks välja mõtleb. Kumbagi Tuhkatriinunäiteks paneb Gioacchino Rossini oma kasuõed laulma hiilgava muusika ja „teravate“ rütmide järgi, et paljastada nende kergemeelne, vallatu ja agressiivne iseloom. Tuhkatriinule usaldab Rossini seevastu väga magusaid, aeglase ja rahuliku lauluga väljendatud meloodiaid, mis panevad kuulaja mõistma mitte ainult tegelase head olemust, vaid ka tema melanhooliat ja üksindust.

Mida muusika sõnadega teeb?

Muusika, mis „katab“ libreto sõnu, täiendab ja süvendab selle tähendust. Näiteks teises vaatuses Traviata, üks Giuseppe Verdi meistriteostest, peategelane Violetta peab oma väljavalitust lahku minema, sest tema isa on nende liidu vastu. Viimase vestluse ajal hääldab Violetta need sõnad: "Armasta mind, Alfredo, kui palju ma sind armastan. Hüvasti!". Lihtsale lugemisele tundub see kahe armastaja kirgliku tervitusena, ei midagi enamat: aga muusika ja laul muudavad lause tähenduse. Viiulid plahvatavad a väga tugev, see tähendab väga intensiivse ja elava heliga, hüüavad tromboonid masendavat tagasiastumist, samal ajal kui Violetta laulab laulu, mis on nii palve kui ka armastuse avaldus. Sellest muusikast kuuleme palju: loobumine õnnest, üksindus, millele Violetta ennast hukka mõistab, teadlikkus lähedasest surmast.

Muusika võib ka teksti öelduga vastuollu minna, tehes selle mõtte üle nalja. Kumbagi Sevilla habemeajaja, mille muusikaks on Rossini, tutvustab peategelane Rosina end avalikkusele kuulutades end kuulekaks, leplikuks ja kuulekaks. Orkestris kommenteerib neid väiteid mõnitades pikolo (kõige puhkpillidest kõige teravam) susin, pannes publikut mõistma, et tegelaskuju on tehtud hoopis teistsugusest kraamist!

Teater muusikas

Muusikateater on oma pika ajaloo jooksul ja järk-järgult omandatud erinevates vormides vallutanud kirglike vaatajate publiku kogu maailmas. Isegi tänapäeval on palju aastaid tagasi kirjutatud teosed esindatud ja hoiavad nende meelelahutus- ja liikumisvõimet puutumata.

Komöödia muusikas

Enne Mozarti koosnes ooper dialoogiosade ja aariate jäigast vaheldumisest. Dialoogiosas (nn retsitatiivne) muusika piirdus mõne sekkumisega, samas kui tegelaste omavaheline sõnavahetus viis mängu edasiõhk (s.t meloodias), vastupidi, pakuti lauljale võimalust esineda hoolimatu virtuoossusega, kuid tegevus lakkas. Mozart sidus retsitatiive ja aariaid pidevas muusikalises voos, muutes loo arengu spontaansemaks ja loomulikumaks. Mozart lõi koostöös Itaalia libretisti Lorenzo Da Pontega mitu teost: Figaro abielu, Don Giovanni, Nii tehke ka neid kõiki need on muusikas tõelised komöödiad ja muusikas, nagu päriselus, põimuvad koomilised ja dramaatilised hetked.

Gioacchino Rossini ja koomiline ooper

Tema kodumaal Napolis oli koomiline ooper väga populaarne: üldsusele meeldisid lihtsad ja lõbusad sündmused, mis tuhande tõusu ja mõõnaga lõppesid paratamatu õnneliku lõpuga. Rossini andis sellele muusikalisele žanrile Euroopa kuulsuse, täiesti uue elujõu ja energiaga. Üks omadusi, mis tema muusikat eristab, on rütm, mis vallandub nii vertiginous suureks kasvades nii sensatsioonilises lõppaktis. Crescendos kasvab lihtne, pehmelt mängitud meloodia, kasvab, kasvab, kasvab väga tugevaks lõhkeaineks. L 'avamäng (ooperit tutvustav instrumentaalpala) de Sevilla habemeajaja see saavutab kiiruse nagu hullumeelsele kiirusele lastud vedur, samal ajal kui orkestri erinevate instrumentide lisamisel ja kattumisel muutub esialgu peen heli üha täidlasemaks. Lõppvaates on kõik tegelased korraga laval ja neid valdab väga kiire muusika: nende sõnad kattuvad nii kiires rütmis, et need muutuvad äratundmatuks ja see loob vastupandamatu koomilise efekti.

Giuseppe Verdi ja melodraama

Esimesed, kes viisid melodraama edu tippu, tõid Vincenzo Bellini ja Gaetano Donizetti. Põnevad armastuse ja surma sündmused, mis olid nende teoste lemmikteema, olid kaetud tunde ja närbumisega muusikaga. Giuseppe Verdiga seevastu laieneb teemavalik: melodraamasse jõuavad elu kõige mitmekesisemad aspektid. Ajaloost poliitikani, peresuhetest võimukonfliktideni, religioonist kuni kõige tulisemate kirgedeni on kõik Verdile muusikalise inspiratsiooni allikas. Tema muusika, hoogne ja terav, virvendav ja särisev nagu lõkke säde, mitte ainult ei loonud unustamatuid tegelasi, vaid põletas Itaalia ühendamise heitluste ajal ka Itaalia patriootide hinge.

Kui ooperite ja operettide kirjutamine jätkus Euroopas, siis Ameerika Ühendriikides oli populaarsust kogumas vaatemängulisem muusikaline žanr: muusikal. Metsikud rütmid, džässile ja bluusile viitavad meloodiad ning ennekõike suurepärane koreograafia on selle põhilised koostisosad. Etenduse keerukus nõuab peategelasi, kes on võimelised tantsima, laulma ja näitlema. West Side'i lugu see on muusikalide üks parimaid näiteid. Leonard Bernsteini koostatud 1957. aastal on selles uuesti välja pakutud Romeo ja Julia teema, mis on vastandlik armastuslugu konfliktsetesse rühmadesse kuuluvate armastajate vahel. Alates seitsmekümnendatest aastatest muusikal uueneb ja saab ka sotsiaalse analüüsi vahendiks selliste teostega nagu Jeesuse Kristuse superstaar, Juuksed on Kassid. Isegi tänapäeval on muusikalil suuri õnnestumisi: Itaalias oli üks kuulsamaid ja hiljutisi Notre Dame de Paris autor Riccardo Cocciante.

Ühtsus on tugevus: orkester

Nad on kõik olemas, sada või enam muusikut, mustades ülikondades ja tärklisega valgetes särkides. Režissöör juhib oma võlukepi liigutamisega nende tähelepanu. Tõstke käed üles ja heli levib üle saali. Mängib orkester.

Suurepärane orkester ja selle pillid

Sümfooniaorkester on suur instrument, mis koosneb paljudest osadest ja mis kõik kokku annavad mitmekesise heli, täis värve, mis suudab kuulamist lohistada. Orkestri pillidel on ühine omadus: mida väiksemad nad on, seda kõrgemat heli nad tekitavad. Pilli tundmiseks ei piisa tema hääle kuulamisest ja selle valmistamise teadmisest. On vaja teada selle „isiksust” ja mõista selle funktsiooni orkestris.

Appi tuleb vene helilooja, muusikalise muinasjutu autor Sergej Prokof′ev Peeter ja hunt, milles kõik tegelased on seotud muusikariistadega.

Pierino ja tema sõbrad: keelpillid ja tuuled

Prokof′evi muinasjutus on peategelaseks Pierino, keda on kujutatud rõõmsameelse ja julge poisina. Pierinot esindab viiulid, kannikesed on tšellod. Ka orkestris on need pillid, mis koos kontrabassidega moodustavad keelpillide perekonna, peategelased: neile usaldatakse tavaliselt sümfoonilise pala kõige olulisemad meloodiad ja teemad.

Pierino mängib metsas koos oma sõpradega: lind, part ja kass. Linnukesel on a hääl põiki flööti. See tuuleperekonnast pärit pill on heleda ja selge tämbriga ning kiirgab väledaid ja lehvivaid noote, mis meenutavad linnu liikumisi. Part, natuke kohmakas ja kohmakas, on tehtudoboe, nina- ja petulant-tämbriga instrument, mis kujutab linnu kiikuvat kõnnakut uskumatult realistlikult. Aga ei nalja! Sümfooniaorkestris on oboe fundamentaalne: see on instrument, mis "annab seal', see tähendab, et ta häälestab kõiki teisi instrumente, suudab luua rahulikke või melanhoolseid ja kurba atmosfääri. Kassi väledat ja valvsat liikumist esindab hästi teine ​​hingamine - klarnet, eebenipuust puidust, kaunist läikivast mustast pill, mis võib tämbrit muuta vastavalt intoneeritavate helide kõrgusele: heledad ja eredad kõrgete nootide jaoks, intiimsed ja unistavad madalamatele.

Vanaisa saabub Pierinole järsku majja tagasi helistama, kuna ta kardab, et metsas on hunt. Vanaisa esindamiseks valib Prokof′ev a fagott, nurisev pill, mis sobib väga hästi naljakate olukordade väljatoomiseks. See on osa puiduperekonnast ja koosneb umbes kahe ja poole meetri pikkusest küünarnukist kokku pandud tünnist. Lähisugulane on kontrabassoon, suurem ja koobasema tämbriga.

Hunt ja jahimehed, vask ja löökpillid

Hunt tuleb tõesti kolme ähvardava häälega sarved ja õgib parti üldse. Sarve nimetatakse nii, sest see tehti kunagi loomade sarvedest. See on osa puhkpillide perekonnast, kuhu kuuluvad tegelikult messingist ehitatud puhkpillid. See koosneb nelja meetri pikkusest torust, mis on ümbritsetud enda ümber ja selle pikkus annab talle vana hundi täieliku, võimsa ja kuningliku tooni. Ka messingist perekond on osa trompet, selge ja heliseva tämbriga ning tromboon, võimsa ja piduliku heliga. Sõprade abiga õnnestub Pierinol hunt kinni püüda ja kinni siduda, mille ta annab jahimeestele loomaaeda viimiseks. Prokof′ev kasutab i kuulmekile, suured trummid, mida rasked klubid peksid, kaadrite reprodutseerimiseks. Trummikilbid on osa suurest löökriistade perekonnast: hõõrutud, pekstud või kitkutud, loovad üllatavaid heliefekte ja nende ülesanne on eelkõige rõhutada muusikalise kompositsiooni rütmi.

Muusika hiiglased

Kantaadid ja sümfooniad, sonaadid ja kontserdid, prelüüdid ja fuugad: 18. sajandist tänapäevani tohutu lavastus, suurte ja suurepäraste muusikute looming: Bach, Haydn, Mozart, Beethoven, Chopin, Stravinskij, Debussy on domineerinud peamised tegelased kolm sajandit muusikat.

Bachi püha ja ropp muusika: põgenemiskunst

Sakslane Johann Sebastian Bach oli enne helilooja ametit suur organist ja ennekõike hinnati teda kogu elu. Ta oli ka väga hea õpetaja: Hästi karastatud klavessiin, mis on sündinud õpilaste töövihikuna, esitatakse ja kuulatakse seda ka täna oma erakordse ilu pärast. Suur osa tema tohutust muusikaliproduktsioonist on inspireeritud sügavast religioossest meeleolust: Kired, kakssada ja rohkem Laula või Magnificat need on loodud austusavaldusena Jumalale. Tema kuulsates fuugades põimuvad erinevad muusikalised teemad omavahel keerulistes helikonstruktsioonides. „Geomeetrilise” täpsusega tõstab Bach helimälestisi, mis sarnanevad võimsate gooti katedraalidega. Teemad oskuslikult ja oskuslikult sobitamine ja muutmine kuni võimsa lõpukordani.

Sümfoonia: Mozartist Beethovenini

Sümfoonia, instrumentaalkompositsioon, mis jaguneb tavaliselt neljaks osaks, on muusikaline vorm, mis võimaldab orkestril esile tuua erinevate pilliperekondade parimaid omadusi. Selle valdkonna suurepärased meistriteosed on ennekõike 18. ja 19. sajandi saksa muusika. Sada ja veel lühemat ja kerget sümfooniat on komponeerinud Franz Joseph Haydn. Austria suure muusiku Mozarti viiekümne sümfoonia seas on paljud rahulikud, täis rõõmu ja kergust, mõnda teist läbib siin-seal rahutus, segadus ja melanhoolia. Oma üheksas sümfoonias sulges Beethoven kogu universumi: kangelasliku ja võitlusliku elunägemise, vabaduse ideaali, armastuse looduse vastu ja inimväärikuse ülendamise. Iga sümfoonia on maailm iseenda jaoks: Kolmas sümfoonia, saatuse vastu suunatud võitluse kujutamisest Viies sümfoonia, maapiirkonna magususele Kuues sümfoonia, rõõmule, mis kutsub tantsu Seitsmes sümfoonia, lõpetuseks kirgliku üleskutse üle universaalsele vennaskonnale Üheksas sümfoonia.

Stravinsky ja uus muusikakeel

Igor ′ Stravinskij on üks moodsa muusika suurtest peategelastest. 1913. aastal lavastati ballett Kevade festival: revolutsioon oli alanud. Selles kompositsioonis hangib Stravinsky orkestrist metsikut muusikat nagu ürgjõudude puhang, mis rõhutab balletis jutustatud julma ja barbaarset riitust: noore tüdruku ohverdamine kevade saabumise propageerimiseks. Rütm, harmoonia ja meloodia, mis on praktiliselt muutumatuna püsinud enam kui viissada aastat, muutuvad järsku. Eelkõige sümboliseerib rütm, balleti tõeline peategelane oma valdava impulosusega, kevade ootamatut saabumist pärast Venemaa talve kohutavat külma. Hingetuks jätev rütm on ühendatud hiiglasliku orkestri heli „vägivallaga“, milles kasutatakse kõiki instrumente justkui löökriistu.

Tuhat klaveri heli

18. sajandi algusaastatel, kui Cremonas ehitas Stradivari perekond maailma parimaid viiuleid, leiutas Firenzes Bartolomeo Cristofori klaveri - instrumendi, mis võimaldab kokku võtta kogu orkestri helisid madalast ja tumedast fagoti pikoliku teravate omadega.

Fryderyk Chopin oli helilooja, kes oskas enam kui ükski teine ​​mõista klaveri potentsiaali: Nokturnid paneb selle laulma, sisse Poola keel põletab teda kirega ja sisse Haridus muuta mehaanilised harjutused ilusateks helipiltideks. Mozart tegi klaverist instrumendi, mis on võimeline pehmeteks ja rõõmsateks meloodiateks. Beethoven käsitles seda kui helide kaevandust, mida tuleb avastada ja kokku ühendada. Debussy kasutas seda väga nüansirikkate muusikaliste "värvidega" teoste loomiseks, Stravinsky aga muutis selle kasutamist, käsitledes seda löökriistana.

Nii palju võimalusi mängimiseks

Üksi või mõne kaaslasega, avalike kontsertide korral või lihtsamalt koos sõpradega, on muusikategemise naudingul palju nägusid, kuid see on alati põnev. Igas muusikalises žanris, igas vanuses, igal laiuskraadil uuendab muusika võlu üksik- või väikese rühma etendus.

THE solistid

Iga konservatooriumi üliõpilase unistus on saada kontserdimängijaks, võib-olla oma pilli virtuoosiks: viiuldaja, kes rändab oma kalli Stradivariusega nagu Uto Ughi, või pianist, kes võlub publikut Grandi suurepärase heliga Steinway, nagu Maurizio Pollini. Mitu surematut lehekülge on kirjutatud viiulile või klaverile, enim kasutatud pillid sooloesinemisteks! Anna talle Partitas sooloviiulile autor Bach ai Kapriisid autor Paganini, pärit Sonaadid autor Beethoven ai Vahepalad autor Johannes Brahms.

Kammermuusika

Umbes 18. sajandi keskpaiku hakkasid Euroopa keskklassid muusikast sama kirglikult suhtuma kui vürstid, kelle teenistuses olid terved orkestri- ja ooperirühmad. Daamid ja härrad õppisid hinnatud muusikutelt õppetükke, laulsid ja mängisid pilli oskustega, mis olid peaaegu võrdsed professionaalide omaga. Paljudele meeldis mängida väikesele fännide publikule tükki, mille neile kirjutasid tolle aja suurimad heliloojad. Nii sündis kammermuusika (nimi tuletatud sellest, et algselt esitati seda kohtute saalides), mis hõlmas erinevaid žanre. Üks levinumaid pillimänguformatsioone on keelpillikvartett: neli pilli, kaks viiulit, vioola ja tšello mängivad keerukaid palasid, mille muusikalised teemad põimuvad ja mida "laulab" nüüd üks ja teine ​​pill. Samad heliloojad on pühendunud kammermuusikale ka rõõmuga koos väikese sõpruskonnaga musitseerida. Haydn ja Mozart koostasid tõelisi muusikalisi vestlusi, kus pillid omavahel rääkisid.

Džässiorkester

Džäss on afroameeriklaste muusika: see sündis tegelikult Ameerika Ühendriikides orjade laulude sulandumisel populaarsete lugudega, mille Euroopa koloniseerijad uude maailma tõid. Melanhoolia leidub seal bluus, mis on sündinud orjatöölauludest ja vaimulikest, nende usulauludest ja ragtimevõi muusika "tükkidena", see tähendab, et selles sünkopeeritakse, erinevad instrumendid on segatud, Euroopa ja Aafrika, klassikalised ja elektrilised.

Džässbändi tunneb rütmi tüüpilise kõikumise järgi kohe ära, lo kiik, häälte ja pillide tämbri jaoks ning improvisatsiooniks. See võib olla kollektiivne või individuaalne: trompet, saksofon või kontrabass esitavad omakorda põnevaid soolosid. Džässmuusika improvisatsioonil on iidne tähendus: see sündis orjade vajadusest viia valgete muusikasse, mis oli neile võõras, musta kogukonna tähendused. Džässmuusikud ehitavad klassikalisest erineva helimaailma: „õigete” nootide asemel otsivad nad ebatavalisi, moondunud helisid, mängides suure vabadusega.

Algselt esinesid džässorkestrid New Orleansi ümbruses veoautodel, millele klaverit polnud ette nähtud - instrument, mis lisati alles hiljem. Cornet-kuningad esitasid üksteisele tänavatel väljakutse oma pilli, trompeti või saksiga. Kuulsaks on jäänud Louis Armstrongi ja Miles Davise trompet ning John Coltrane'i saks.

Džässilaulus on ka viis kasutada häält tõelise instrumendina, kiirgada kiiresti mõttetuid silpe, mida kasutatakse ainult nende heli jaoks: see on scat, vokaalmäng sama hoolimatu kui köitev. Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, suurepärased jazzihääled, paistsid seal silma koos erakordse Billie Holidayga, keda kõik nimetasid džässi leediks.

Kas need on ainult laulud?

Rõõmsameelne, melanhoolne, irooniline, vastuoluline, kultuurne või populaarne: tuhande varjundiga lugu saadab iga eluhetke. Mõnikord on see argine ja rumal, kuid mitte harva üles ehitatud kaunitele meloodiatele ja tekitab suuri emotsioone.

Kultiveeritud laul

Saksakeelsetes riikides levis Mozartist alates omamoodi kultuurilugu, see Valetas, laul, mida laulsid kuulsate luuletajate salmid.

19. sajandil, romantismiperioodi keskel, lõi Franz Schubert enam kui kuussada Lieder: hääl klaveri saatel väljendab tundeid spontaanse otsekohesusega. Sisse Talvine reisnäiteks räägib Schubert 24 Lieder ränduri põgenemine ühiskonnast, kes tunneb end õnnetuks hukkununa ja rändab kõike hõlmavas talvekülmas. Teised heliloojad, nagu Robert Schumann ning 20. sajandil Gustav Mahler ja Richard Strauss, jätkasid Valetas romantiline.

Itaalias piiras ooperi ülekaal laulu kõige lihtsama žanriga „salongromantika“ - meloodilise ja sentimentaalse loo, mille hea pere noored daamid ise klaverile saatel laulsid. Mõni neist romansidest, näiteks Vincenzo Bellini magus ja melanhoolne, esitatakse kammerkontsertidel tänapäevalgi.

Laula Napoli!

Napoli ajalooline laul on levitanud kogu maailmas Napoli ja Itaalia kuvandit, mida on värvinud päike, meri, mandoliinid ja tamburiinid. Maailma tuntumate laulude hulgas on Funiculi Funicula, 19. sajandi lõpus sündinud laul pragisevast muusikast. Ja siis 'Oo, mu päike, Tule tagasi Sorrentosse ja paljud teised. Suurepärane luuletaja Salvatore Di Giacomo, kes tundis hästi Napoli rahva kirgi ja lootusi, kirjutas suurepäraste ja liigutavate laulude sõnad. Selles autoris on sõna ise juba muusika. Napoli laulude koostatud murdekeel annab neile sügava siiruse maitse, olenemata sellest, kas räägite tunnetest või visandate koomilist olukorda pahatahtlikkuse ja irooniaga.

Rock and roll ja biit

The rock and roll sündis Ameerika Ühendriikides pärast Teist maailmasõda, kui sündisid olulised tehnilised uuendused, nagu esimesed elektrikitarrid, esimesed muusikakastid, 45 p / min plaadid, võimendussüsteemid, mis heli intensiivistasid. See oli Elvis Presley, kelle kitarri ja nüüd häälekalt nuttev hääl levitas valgete poiste seas afroameeriklaste muusikat ja tekitas valdava entusiasmi uute rütmide vastu. Ameerikast tungis rokk nagu laine kogu maailma, vallutades mitu põlvkonda noori.

Muusikaline liikumine rütm, sündinud kuuekümnendatel aastatel Inglismaal, inspiratsiooni ameerika keskkonnast biit põlvkond, see on noorte mässuliste ja nonkonformistide põlvkond, kes asustasid tollal Londonit ja USA-d. The Beatles ja Rolling Stones esindavad teda hästi: esimesed andsid oma meloodilise soontega lauludega hääle nooremate põlvkondade unistustele. Rolling Stones tõi muusikasse suurema rütmilaengu ja karmima mässuvaimu.

Joan Baez ja Bob Dylan väljendavad hoopis Ameerika rahuliikumise väärtusi. Kitarr õlal ja suupilliga laulsid nad protesti „sõjapealike”, rassismi ja ebaõigluse vastu.

Meloodiad, karjujad ja laulukirjutajad

Itaalias kroonitakse alates 1951. aastast Sanremo festivalil laulu „ugole d'oro”, „kuningannad” ja „reucci”, mis tähistab kergete meloodiate ja südamearmastavate riimide võidukäiku. Paus nende banaalse meloodilise muusikaga toimub 1958. aastal Domenico Modugno lauluga Sinise värviga sinisena, sürreaalne unistus, mis ümbritseb kogu maailma. Kohalik rock sündis koos Su suudlus on nagu kivi autor Adriano Celentano, esimene karjujate rühmast.

Kitarrist või klaverist ja isegi pisut kähedast häälest piisab aga laulukirjutajatele: Gino Paoli, Franco Battiato, Francesco De Gregori, Lucio Dalla, Paolo Conte, Francesco Guccini, Fabrizio De André ütlevad tõelisi tundeid, tavalisi asju elus kõigist noorte unistused, pettumused ja püüdlused.

Muusika ja pildid

Alates esimese helifilmi ilmumisest 1927. aastal on muusika ja kino suhe muutunud üha tihedamaks. Alates kinost kuni televisioonini ja veebini esitab iga suhtluskanal meile muusikaga seotud pilte.

Muusika jõud

Filmi piltidel on näha meest, kes kõnnib mööda üksildast teed. Tema sammud on seotud erutatud ja rabava viiuliheliga: vaataja ei näe midagi head ette. Kui aga samade piltidega kaasneb tšellodele usaldatud soe ja ümbritsev meloodia, võib ette kujutada õnnelikku kohtumist kahe armukese vahel. See on muusika jõud ja funktsioon: muuta nähtava tajumine terviklikumaks, aimata ette veel juhtumatut, soosida mälu ja keskendumist.

Isegi vaikiva kino päevil kõlas ekraniseerimisruumides muusika: sobivaks peetud muusikalise taustaga sündmuste kulgu kommenteeris pianist, organist või isegi terve orkester. Välja arvatud harvadel juhtudel, oli see pigem üldine ja korduv muusika, mis varieerus vastavalt selle mängimise eest vastutavate muusikute inspiratsioonile ja võimele.

Kino muusika

Helikino tulekuga saab muusika koos dialoogi ja helide või helidega osa filmi heliribast. Sellest hetkest alates on igal filmil oma muusika, see, mille režissöör hoolega valib, tehes koostööd muusikute asjatundjaga sellistes kompositsioonides või tuginedes juba olemasoleva muusika ulatuslikule repertuaarile.

Filmi heliribas on sageli väga erinevat muusikat: ooperiromaanid, sentimentaalsed laulud, killud sümfooniatest või kontsertidest, džässi- või tantsumuusika. Näiteks 2001: kosmose-odüsseia, Keerutab Ameerika režissöör Stanley Kubrick kosmosejaama fantastilise valsisõidu rütmis. Ebatavaline, riskantne, irooniline kõrvutamine enam kui sada aastat varem Viini elegantsele aristokraatiale kirjutatud muusika ja astronautide rühma kogetud ulmelise kosmoseseikluse vahel.

Kino muusika jaoks

Kino on kogu oma ajaloo jooksul rääkinud muusikast mitmeid kordi mitmel erineval viisil: näiteks ooperitel ja muusikalidel põhinevate filmide kaudu. Tööl Maagiline flööt Rootsi režissöör Ingmar Bergman ja itaallane Emanuele Luzzati pühendusid väga erinevates vormides Mozartile, kes lõid sellest väga värvika koomiksiversiooni.

Siis on lugematu arv filme, mis enam-vähem tõese aktsendiga räägivad suurte muusikute elust ja lasevad nende muusikal kuulda. Üks näide paljude seas on Amadeus (Muidugi Mozart.), Ameerika režissöör Milos Forman, lähtudes hiilgava Austria helilooja ooperist ja isiksusest.

Lõpuks tehakse mõned filmid kavatsusega tutvustada lastele olulist muusikat. Walt Disney mõtles sellele kõigepealt. Ta on loonud animatsiooni meistriteose, Fantaasia, mis tegi Paul Dukase muusika unustamatuks, mille kuuldes nõia õpipoiss Mickey oma katastroofideks teeb, hüppab Tundide tants autor Amilcare Ponchielli, tõlgendatuna jõehobude rühmas kommiroosas tutuses, Kuues sümfoonia autor Beethoven, kes ümbritseb oma märkmetega Jupiteri vallandatud tormi nümfide, faunide ja kentauride asustatud rahulikul maal.

Mis on videomuusika?

Videomuusika on kõige ülevaatlikum ja kiirem audiovisuaalse suhtluse vorm. Videoklipist laulu reklaamina sündinud lugu on järk-järgult omandanud autonoomse keele. Paljud pop-, roki-, räpplauljad loodavad oma laulude reklaamimisel uuele liikuva pildi artistide kategooriale. Mitmed telekanalid annavad nende muusikavideote peaaegu katkematule programmeerimisele elu.

Muusika ja uued tehnoloogiad

Kaasaegne tehnoloogia on muutnud nii tootmist kui ka muusika kuulamist. Kui enne pidite kontserti kuulama minekuks palju reisima, siis täna mahuvad tundid ja tunnid muusikat sõna otseses mõttes taskusse nii väikestesse seadmetesse nagu nätsupakk.

Uued viisid muusikat

Artistid on alati olnud valmis ühiskonnas toimuvaid muutusi ette nägema. Kuulajal on raske jälgida kõiki aasta-aastalt ilmnevaid muusikalisi uuendusi suure kiirusega. Alates 19. sajandi lõpust on muusikud otsinud uusi allikaid ja uut tüüpi helisid, näiteks on nad hakanud tegema ruumi müra jaoks: löökriistade või selliste vidinate jaoks nagu tuulemasin või laevasireenid. Või andsid nad isegi väärtuse heli puudumisele, see tähendab vaikusele, nagu näiteks Ameerika muusiku John Cage'i puhul, kes 1952. aastal lõi provokatiivse teose pealkirjaga 433″ Selles peategelane on esimest korda vaikus. neli minutit ja kolmkümmend kolm sekundit!

Uued tööriistad uute helide jaoks

Tänapäeval pakuvad keerulised seadmed heliloojale selliseid võimalusi ja stiimuleid helidega mängimiseks, mida Mozart, Schubert või Verdi isegi ette ei kujutanud.

Umbes nelikümmend aastat tagasi ehitati esimene süntesaator, elektrooniline muusikariist, mis suudab muusikat toota elektrooniliste vooluringide kaudu, mida kasutavad laialdaselt peaaegu kõik roki- ja popbändid. The proovivõtja, mis võimaldab uuemat leiutist, lisada või eemaldada instrumente, et aeg-ajalt jäljendada tervet koori, harfi õrna häält või trummirulli, mis mõnel juhul suudab moonutada muusikapala.

Süntesaatorite ja proovivõtjate kasutamine iseloomustab seda konkreetset muusikalise väljenduse vormi, mida tähistab elektrooniline muusika.

Heliloojad ... elektroonilised

Mõned heliloojad on oma lavastuses katsetanud elektroonilist muusikat. Üks varasemaid ja kuulsamaid on sakslane Karlheinz Stockhausen. 1960. aastal valmis tal teos pealkirjaga Kontaktid mis juba pealkirjas paljastab seose elektrilülitustega: klaver ja löökriistad segunevad magnetlindile salvestatud helidega kontaktides, mis on mõnikord õrnad, sagedamini karmid ja nurgelised.

Uuemal ajal on helilooja Brian Eno helidega erinevalt manipuleerinud: ta lõi nn ümbritsev muusika, mis kasutab ka teatud keskkondades tekitatud müra ja sisinat. Eno lõi klaviatuuride ja süntesaatoritega heliinstallatsioone, leiutades rütme, mis ulatusid Ida kajadest hõimude ettepanekuteni, lõpetades tehnomuusika.

Muusika kuulamine, eile ja täna

Vähem kui sajand on möödas sellest, et mahukate ja lärmakate trompetfonograafidega saavutati muusikalavastuse oma kodus reprodutseerimise „ime”. See tundus suur saavutus. Seejärel tuli grammofon, millel mängiti väga habras 78 p / min plaate, mis võisid sisaldada mõneminutilist muusikat, seejärel asendati see 33 ja 45 p / min plaatide mikrokõrvaga. Eelmise sajandi kaheksakümnendatel toimus nn digitaalne revolutsioon, uus muusika salvestamise viis, mis põhines helisignaali muundamisel arvutikeelele tüüpiliseks binaarkoodiks. Nii ilmusid väikesed kompaktplaadid, CD-d, mis mahutasid hämmastava kvaliteediga üle tunni salvestatud muusikat. Tänapäeval ei vaja heli enam füüsilist andmekandjat, näiteks ketast, linti ega CD-d: digitaalne võimaldab luua Internetis liikuvaid muusikafaile.

Kust muusikat tulevikus ostetakse?

Tihendatud muusikafailivormingute leiutamine on võimaldanud muusika intensiivset ja väga kiiret levikut Interneti kaudu, muutes plaadituru revolutsiooniliseks. Igaüks saab täna oma muusikat salvestada ja võrgu kaudu tasuta üle kogu maailma levitada. Tõenäoliselt levitavad tulevikus isegi suured plaadifirmad muusikat oma saitide kaudu, edastades kliendile muusikafaili, mitte enam CD-d.

Fantastiline raamatukogu

"Oh, prints! / Võta see kingitus minult vastu / meie suverään saadab selle sulle / Võluflööt kaitseb sind ja toetab sind kõige suuremates õnnetustes ... Sellega võid end pidada kõikvõimsaks / saad muuta inimeste kirgi / kurb saab õnnelikuks / armastus võidab poissmehe. "

Kumbagi Maagiline flööt Öökuninganna pruutneitsid laulavad neid salme, andes prints Taminole kuldse flöödi. Nii relvastatud, mitte mõõga, vaid muusika saatel asub nägus noormees printsess Pamina otsima. Tööriistal on tõesti suured maagilised jõud ja Tamino saab sellest peagi aru. Flöödi magusad meloodiad võluvad isegi metsa loomi, avades ootamatud käigud, mis võimaldavad printsil ületada leeke või ületada hiiglaslikest koskedest ulatuvaid nähtamatuid sildu.

See, kes printsiga seiklusel kaasas käib, on sulgedega kaetud naljakas tegelane Papageno, kes käib öökuninganna nimel linde püüdmas. Nagu iga linnukana, teab ta ka enda jaoks saaki meelitada, et neist vangid teha. Tema jahiinstrument on lihtne flööt, mitte kullast, vaid pilliroost, instrument, mis köidab oma heliga. Nendest lummavatest muusikutest on neid veel kogu maailmas ja igaühel neist on välja kujunenud mingi eriline oskus. Parim kõigist on kahtlemata Hamelini Pied Piper. Lugu algab aastal, mil see linn on nuhtluse haardes: elavas mälus pole sellist rotte pealetungi veel olnud. Närilisi on kõikjal. Nad hammustavad lapsi, hirmutavad naisi, söövad talveks vajalikke vahendeid. Nad tapavad isegi kasse.

Ühesõnaga tõeline katastroof! Ühel päeval tuleb torupill aga linna. Esmapilgul näib ta olevat ainult rändur. Pikk, õhuke, läbitorkavate siniste silmade ja lahtiste juustega üle õlgade. Ta ei kanna ei pagasit ega hobust. Temaga on tal ainult pikk poolkollane ja poolpunane mantel, mis kaitseb teda külma eest, ja flööt, millega ta elatist teenib. "Anna mulle kolm kotti kuldmünte ja ma luban täna õhtul rottidest lahti saada"ütleb ta enesekindlalt kohe, kui on probleemist teada saanud. Olukorrast nördinud, aktsepteerivad elanikud ettepanekut ilma liiga palju küsimusi esitamata. On ilmne, et nad pole kunagi kuulnud teatud flöödide võimust. Õhtu saabudes hakkab torupill aga linnatänavatel pilli mängima.

Muusika levib kergelt õhus ja tungib kergelt igas kohas, kuni jõuab tuhandete kaupa majadest ja maa-alustest välja tulnud rottide kõrvu. Justkui magusast meloodiast hüpnotiseeritud, järgivad närilised rongkäigus mängijat jõe kurule ja uputavad seal ükshaaval. Milline suur kergendus kõigile! Kuid kui probleem on lahendatud, keelduvad elanikud kokkulepitud summat maksmast. Nii otsustab torumees kätte makstud kättemaksu. Seekord vajab ta võlumiseks vaid kolme nooti, ​​mitte hiiri, vaid linnalapsi. Flöödihelist vaimustunult tulevad väiksed oma soojast voodist välja, lähevad trepist alla, jõuavad teele ja järgnevad enesekindlalt muusikule, kes juhatab nad suurele mäele, kus nad igaveseks kaovad.

Selleks, et muusika oleks lummav, peavad kõigepealt olema head kõrvad, aga ka puhtad, millest kuulus kuningas Midas puudus. Jumalikkuse vahelise muusikalise võistluse käigus esitab monarh väljakutse võitjale Apollole, eelistades oma esitusele pannflöödi esitust. Apollot on võimatu mõista, et muusika puhul on kõik maitsed maitsed! Apollo ei kuule põhjust ja võtab kohe kätte saadud süüteo eest kätte. Pungleva kuninga kõrvad hakkavad pikenema ja täituma kõvade mustade juustega nagu eeslil. Et tema üle ei naerdaks, on Midas sunnitud selle häbi varjama pika terava mütsi alla. Ainult sulane-juuksur on ümberkujundamisest teadlik.

Mees on usaldusväärne ja kuningas saab rahulikult magada. Kindlasti piirab tema saladuse avaldamise soovi hirm karistada saada. Kuid juuksur tunneb, et ta ei pea kauem vastu. Niisiis, enne kui on hilja, kaevab vaene mees maa sisse augu ja sosistab sellesse, mida teab oma peremehe kõrvu. Siis sulgeb ta kõik ettevaatlikult ja naaseb õnnelikult, kui on saladuse vaikse maa peale usaldanud. Mõne aja pärast hakkavad samal heinamaal tärkama mõned roovõrsed, mis kasvavad peagi kõrged ja painduvad, moodustades tihniku. Sellest ajast peale, kui tuul kihutusi liigutab, muutuvad need lihtsad pilliroost pillid:

"Kuningas Midasel on eesli kõrvad. Kuningal Midasel on eesli kõrvad".

Kui juhtute olema roostiku lähedal, proovige okstes tuulekohinat kuulata. Võimalik, et leiate kiirustamise, mis tahab lugu rääkida. Nii juhtub Malaisia ​​lambakoeraga, keda ühel päeval köidab suurest pilliroo rühmast tulev laul. Selles kohas oli aastaid varem kade vend tapnud noore printsi.

"Palun tehke mulle flööt ja võtke mind kaasa, et kõik saaksid mu lugu kuulda", sosistab koos kurb ja armas hääl. Kiiresti lõikab poiss suhkruroo, toob selle suhu ja kuulab haaretena printsi valulikku lugu. Räägiva flöödi kaja teeb peagi linnades ringi ja kõik tormavad seda kuulma. Isegi kuningas kuuleb seda liigutades, tundes ära oma kadunud poja hääle.

Kui meil pole õnne leida rääkivat pilliroogu, on meil alati võimalus pill ise ehitada.

"Nii et ma küsin Ericilt Punaselt:" Kuidas sa vilepilli teed? "Ta noogutab peaga vana aia nurka." Kas näete seal? "Ta osutab bambusekamakale, mis on tolmuimejana kokku kleepunud tolmuks, räsitud. ja tülitsev. "Täiuslik flöödile," ütleb ta. Naeratab, tõstab flööti ja muusika levib ja tõuseb minu ümber. "

Paulil pole seda kaks korda korratud. Ta laskub roostikusse, lõikab bambuse ja jookseb tööriistakuuri sisse, et puurida auke kohtadesse, mille Eric Punane rootükile tähistas. Jah, Eric. Kui Pauli isa teaks, et ta paluks midagi paljudest võõrastest, kes näljas ja töölt väljas Austraalias ringi rännab, ei pääseks ta sellest.

Paul kasvas üles muusika kõrvades: isa trillivile ja ema klaveri sumin. Siis muutus vaesuse käes ka nende kodu kurvaks ja vaikseks. Kuid poisil on muusika veres. Ta ei saa seda ette kujutamata jätta. Ta teeb seda siis, kui lüpsab lehma, kui raiub puitu ja isegi siis, kui ta on koolis. Kuid nüüd, tänu Ericule, ehitab ta flööti.

"Vabastan selle haardest, puhun tolmu ära, panen huulte juurde. Nurk peab olema vale: mul pole muud kui piiksuv õhupuhang. Asetan sõrmed aukudele ja puhun uuesti, tõstes ja langetades ühte sõrm korraga. Noodid tekivad nagu kähedate kaugete lindude laul, kuid muusika on olemas, kui mul on kannatust seda otsida. "

Flööt on lihtne pill, mida saab mängida kõrva järgi. Väheste vihjete saatel ropendavast Ericust õpib Paul sõrmi paigutama ja esimesi noote otsima. Esialgsete raskuste korral ei anna ta alla. Ja tõelisi muusikuid tabav loits toimub taas: aeglaselt täidab pill pea ja südame ning poiss saab oma flöödiga üheks.

Nagu Paul, armastab ka Mila muusikat. Mila on eriline laps, delfiinilaps. Tal pole saba ega uimi, kuid ta oli üles tõstetud delfiinikaunaga, nii et ta ei tunne end täielikult inimesena. Ta arvab endiselt, et on kala, tunneb ja käitub nagu nemad. Sellest ajast, kui ta leiti Florida rannalt, on ta elanud suletud keskuses, kus rühm teadlasi uurib teda nagu oleks ta tsirkuseloom.

Dr Beck on see, kes ühel päeval toob Milale flöödi. Ta leidis, et delfiinitüdrukule meeldib meeste muusikat kuulata. Meri, kus pisitüdruk veetis pikki aastaid, oli kuuldavaid asju täis ja seal õppis väike tütarlaps ellujäämiseks kuulmismeelt kasutama. Kuid Milal on raske seletada, kuidas ta end muusikat kuuldes tunneb. Tundub, nagu miski teda sisimas puudutaks, midagi võimsat ta ütleb "rohkem kui noodid, rohkem kui helid. Muusikat ei kuule ainult kõrvadega".

Muusika meenutab talle elu delfiinisõprade seas. Nii et kui Mila flööti näeb, on ta kohe vaimustuses: see on ilus, sile nagu kesta sisemus. Tema rõõmu nähes julgustab arst teda ja nõuab, et ta õpiks seda kasutama.

Delfiinitüdruk lõbustab pilli, õpib kiiresti muusika keelt. Tema käes muutub tööriist maagiliseks. Noodid hakkavad moodustama uut meloodiat. See on kummaline muusika, millel on nostalgia maitse. Selle sees kostab murduvate lainete, kergelt vees libisevate kalade heli. Sellel on delfiinide värv, mis hüppab ja sukeldub lainetesse. See maitseb nagu vaala kaaslast otsiv üleskutse. See muusika ei sarnane ei Mozarti ega ka raadios mängitava muusikaga. Kuid see on tema laul, delfiinilapse Mila laul. Ja kui see muusika mängib, tunneb väike tüdruk, et kõik teised inimesed tunnevad midagi oma südames. (Maria Cristina Paterlini)

Robert Browing, Pied Piper, Giuliana Pandolfis (toim), Muinasjuttude sees, Nicola Milano, Frignano1978

Cristina Del Mare, Rääkiv flööt, aastal Muinasjutud ja legendid Malaisiast, Arcana, Milano 1993

Garry Disher, Bambusflööt, Mondadori, Milano 1998 [ill.]

Jacob ja Wilhelm Grimm, Hamelini Pied Piper, Franco Panini kirjastus, Modena 1994 [ill.]

Karen Hesse, Delfiinide muusika, Fabbri, Milano 2002 [ill.]

Viviane Lamarque, Maria Battaglia, Võluflööt: Wolfgang Amadeus Mozarti loomingust, Fabbri, Milano 2001 [ill.]

Neil Philip, Kuningas Midase kõrvad, sisse Illustreeritud müütide raamat kogu maailmast, Fabbri, Milano 1996 [ill.]

Roberto Piumini, Tuhat üks nooti, Bompiani, Milano 1999 [ill.]

Emanuel Schikaneder, Maagiline flööt, Marco Beghelli (toim), Kõik Mozarti libretod, Garzanti, Milano 1999


Heli jäljendamise kunst. Siit saate teada, kuidas papagoid meie keelt "räägivad" ...

Pärast raamatu edu "Ticino Wild" tuleb veel üks huvitav artikkel loomade maailmast. Alessandro Pobbiati räägib seekord papagoidest ...

Valime need eredate ja mitmekesiste värvide järgi, vaatame neid kaastundlikult, sest kõigile papagoid nad on meie "rääkivad" lemmikloomad, mis muudab nad omalaadseks ainulaadseks. Kuidas nad aga meie keelt "räägivad"? Ja miks nad seda teevad?

Täpsemalt kui osata rääkida need suurepärased loomad teavad, kuidas mõnda heli taasesitada! Nad on täiuslikud jäljendajad!

"Papagoi" papagoi

Nende reprodutseeritav heli tekib tänu hingetoru läbivale õhule ja süstlale (hääleorgan). Tegelikult on papagoi hingamissüsteem väga sarnane inimesega ja tänu nende struktuuride kokkusurumisele ja laienemisele kasutab lind hingetoru, kanal, kus õhk läbib kopse ja kõri, ja süstlad asetatud kurgu otsa, suudavad nad reprodutseerida paljusid helisid, isegi inimese häält. Hingetoru kõvera muutmisega saab papagoi hakkama moduleerida heli intensiivsust või kestust ja näete seda selle järgi, kuidas ta vilistab või keerukamaid sõnu matkides kaela liigutab.

Parem on see kohe täpsustada kõik papagoid ei räägi, kuid on üks füüsiline eelsoodumus mis piirab või suurendab papagoi rääkimise väljendusvõimalusi ja mis varieerub sõltuvalt liigist. Igal juhul, isegi kui liikide suhtes on teatud eelsoodumus, on inimese hääle jäljendamise võime siiski individuaalne suhtumine mida tuleb aja jooksul stimuleerida ja treenida. Igasugune papagoi see areneb isemoodi sõnade paljundamiseks, tuginedes hingetoru suurus ja ka keele asend, mis sõltuvalt sellest, kuidas seda liigutatakse, võib heli kandvat õhuvoolu parandada ja reguleerida, täpselt nagu me laulmisel!

Kuid nüüd jõuame probleemi keskmesse. Miks nad räägivad?

Ei öelda, et kõik papagoid räägiksid: selleks on vaja tunne end vabalt kohas, kus ta elab ja on loonud head suhted selle omanikega. Seepärast tuleks seda armastada ja hoida võimalikult heades tingimustes, et sellel oleks hea psüühiline tasakaal, ja siis tuleks loomulikult pühendada sellele aega temaga vestelda. Papagoi eripära on see, et see ühendab sõnu konkreetsete toimingutega, nii et ideede ühendused võivad viia selleni, et tal on eeliseid ka sotsiaalsetes suhetes. Ja siin õpib ta näiteks a ütlen aitäh pärast toidu saamist või a tervitama inimesi, kui nad tema tuppa astuvad, või saab ta aru, kui teda kutsutakse tema nimi ja samamoodi suudab ta ära tunda koos temaga elavate inimeste nimed. On ilmne, et mida rohkem sõna selle juuresolekul kasutatakse, seda lihtsam on papagoil seda õppida ja seetõttu ka seda kasutada. Papagoi eeliseks on kiire mõistmine, et teatud salm peab vastama kindlale vastusele, nii et kuuldud sõnade ja helidega loob see oma väikese sõnavara.

Papagoid, nagu hästi aru saate, on väga intelligentne ja oma olemuselt näiteks mõned papagoi liigid, näiteks apelsinijooneline papagoi, nad võivad koguneda isegi tohututesse kolooniatesse, kus neil on keeruline sotsiaalne käitumine, näiteks suhtlemine. Mõned Taani Aarhua ülikooli poolt läbi viidud uuringud on näidanud, et need loomad suudavad helisid suurepäraselt korrata, et omavahel suhelda, aga ka teiste loomadega. Lisaks inimhäälele, mis on kodupapagoi tüüpiline jäljendamine, suudavad need loomad jäljendada praktiliselt kõiki linnuliike ja paljusid muid loomi. Tehnika on kaval viis jahipidamiseks ja toidu otsimiseks. Üks põnevamaid teooriaid seletab seda nähtust, alustades loomainstinkti jälgimisest.

Tegelikult on suhtlemiskalduvus paljude liikide eesõigus ja mis juhtub siis, kui nad ei saa seda tava teostada? Nad kohanevad! ja jäljendavad täiuslikult ümbritsevate inimeste häält.

Lisaks nendele loomadele on loomamaailmas teisigi jäljendamismeistreid. Üks levinumaid on India musträstas, tuntud ka kui religioosne gracula, on looduses hõlpsasti India troopilistes Aasia piirkondades, Sri Lankal, Indoneesias, Filipiinidel, Pakistanis ja Malaisias, kuid nähtav ka paljudes meie puukoolides. India musträstas on väga arvuka, 32 erinevast liigist koosneva perekonna lahutamatu osa, väga intelligentne lind, kes armastab looduses teiste lindude helisid jäljendada. Mustlind on kergesti haritav: suudab äärmiselt enesekindlalt korrata helisid ja toone, sõnu või isegi terveid lauseid. See sünnipärane kalduvus on oma olemuselt kasulik kiskjate segadusse ajamiseks. Just see musträsta omadus on selle pühitsenud religioossest ja pühast vaatepunktist päritolumaadel. Rääkiva linnu maine on tähendanud, et Indias oli seda kujutatud jumala Rama käe all.

Aga looduses parimad jäljendajad on perekonna Menura linnud. Need valdavalt Austraalias elavad linnud on ka ütlused "Lüüra lind" kahe tohutu sabasule (saba otsas olevate sulgede) tõttu, mida isased kurameerimiseks kasutavad. Selle linnu erakordne asi pole aga suled, nagu võiks arvata, vaid tema võime jäljendada kohe kõige mitmekesisemaid helisid, alates teiste lindude hüüdest kuni mehaaniliste helideni. Lüüra linnul on raudne mälu, kui ta õpib heli reprodutseerima, siis vaevalt see ununeb. See fantastiline BBC video demonstreerib helide võluri Lyra linnu erakordseid võimeid.


Jäljendamine või suhtlemine?

Delfiini kiiratavate helide analüüsi viis läbi Strathclyde ülikooli looduskaitsebioloogia doktorant Mel Cosentino.
"Kavatseme Kylie salmid uuesti salvestada, nii kui ta on üksi kui ka pringlite rühmaga," selgitas ta.
"Me tahame mõista, kas ta piirdub väikeste vaalaliste jäljendamisega, natuke nagu inimesed teevad seda siis, kui nad koerte peale mänguliselt hauguvad, või üritab ta tegelikult nendega suhelda."
Kui uued analüüsid tõestavad teist hüpoteesi, seisaksid teadusringkonnad esimest korda silmitsi konkreetsete tõenditega selle kohta, et delfiinid on võimelised õppima teiste liikide keelt.


Indeks

  • 1 Etümoloogia
  • 2 Kirjeldus
    • 2.1 Mõõtmed
    • 2.2 Välimus
  • 3 Bioloogia
    • 3.1 Toiteallikas
    • 3.2 Paljundamine
  • 4 Levik ja elupaik
  • 5 Taksonoomia
  • 6 Märkused
  • 7 muud projektid
  • 8 Välised lingid

Liigi teaduslik nimetus, adsimilis, pärineb ladina keelest ja tähendab "sarnast", viidates oletatavale sarnasusele, mille liikide kirjeldajad on leidnud viimaste ja kikkade vahel.

Suuruse muutmine

Selle pikkus on 23–26 cm, kaal on 48–53 g [3].

Välimus Muuda

Need on tugeva ja saleda välimusega linnud, millel on suur ümar pea, kooniline ja vastupidav keskmise pikkusega, lai ja kergelt konksu otsaga nokk, lühikesed jalad, pikad kirjutatud tiivad ja pikk saba kehast veidi madalam (nagu ülejäänud osas võib üldnimetusest aimata) kahvel, kahe otsaga, mis kipuvad lahku minema, kõverduvad distaalses pooles väljapoole.
Üldiselt on kahvlisaba drongo väga sarnane teiste Aafrika drongodega, näiteks ruudukujulise sabaga drongo (millest see erineb rohkem kahvliga saba ja suurema keskmise suurusega) või särav drongo (millest seda eristab punased silmad mustade asemel ja jälle kahvlilisema saba jaoks), samuti sarnane (ja varem peeti spetsiifiliseks) must drongo, selle Aasia kolleeg ümardatuma sabaotsaga.

Sulestik on täielikult läikivat musta värvi, kaneelvioletsetes toonides on kolded, rinnaosa ja küljed (viimased võivad kalduda hallikasmustaks), allosa on aga pruuni-mustjas: pea, selg, tiivad ja rind on sinakasrohekad metallpeegeldused, mis on hästi jälgitavad, kui loom on otseses valguses.
Seksuaalne dimorfism on ilmne, isegi kui mitte äärmuslik: need kaks sugu on tegelikult üksteisega sarnased, kuid emasloomade keskmine suurus on väiksem (peamiselt lühema saba tõttu) ning sulestiku heledus on väiksem.

Mõlemas soos on silmad veripunased, nokk ja jalad aga mustjad.

Kahvlik saba-drongo on ööpäevane lind, kes elab üksi või paarikaupa ja veedab suurema osa päevast oksal olles ja jälgib ümbrust, olles valmis kõigil tekkivatel saakloomadel alla tulema või välimuse korral taimestiku paksusse peitu pugema. potentsiaalsest ohust: nagu kõigil drongidel, on ka hargnenud saba-drongol märkimisväärne territoriaalsus, mis on paljunemisperioodil veelgi enam rõhutatud, rünnates regulaarselt kõiki sissetungijaid, kes julgevad pesitsuskohale liiga lähedale minna või kes kahjustavad territooriumi terviklikkust, olenemata suuruse erinevusest. Sel põhjusel moodustub harva, kui drongo juhatab tema territooriumi, maapinnale segatud linnuparvi, kes on pühendunud toidu otsimisele, teades hästi, et loomale läheneva võimaliku ohu ilmnemisel hakkavad tekitama hirmutuskutseid ja jätkavad lõpuks tegelikku agressiooni, võimaldades neil mugavalt põgeneda.

Need on väga häälekad ja lärmakad linnud, kes häälitsevad eriti varahommikul ja õhtul, andes välja väga erinevaid kõnesid, alates vedelatest ja lobisevatest helidest kuni krooksuvate helideni (need ei erine duetis harva partner), mis osutus ka suurepäraseks jäljendajaks ja jäljendas regulaarselt teiste lindude üleskutseid.

Võimsuse muutus

Kahvliga drongo on peamiselt putuktoiduline lind: nende lindude toitumine põhineb suurtel putukatel (peamiselt lepidoptera, orthoptera, mardikad ja tsikaadid [3]), kes on püütud lennult või võetud maast või lehtedest ja puuoksadest. , samuti teistel lülijalgsetel ja selgrootutel ning nende vastsetel. Ehkki juhuslikult võib see lind saaklooma ja toita neid väikestest selgroogsetest, samuti toituda marjadest, väikestest puuviljadest ja nektarist.

Neid loomi on täheldatud ka ajal, mil nad istusid suurte taimtoiduliste seljas, et kitaaniparasiite kitkuda sarnaselt bufagade tegevusega, või kui nad sukeldusid vette, et proovida väikseid veeorganisme kinni püüda.
Kahvliga drongo omadus on äkiliste häirekõnede tekitamine ka siis, kui ümbruskonnas pole ohtu, nii et saaks einestada loomade maapinnale jäetud toidul, mis (kasutades ära nende lindude territoriaalsus, et neid sentinellidena ära kasutada), tormavad nad neid kuuldes põgenema [4]: ​​selle kleptoparasitismi vormi lemmikohvrite seas on garrulid [5] ja surikaadid ning sellest tegevusest tulenevad mõned populatsioonid veerandini päevas tarbitavast toidust [6]. Sellele käitumisele tuginedes usuvad mõned teadlased, et drongidel on vaimuteooria [7].

Taasesituse muutmine

Need on monogaamsed linnud, kelle pesitsusperiood muutub vastavalt levila osale, ulatudes märtsist septembrini ekvaatorist põhja poole ja septembrist jaanuarini sellest lõunasse [3].

Kaks partner nad teevad koostööd paljunemissündmuse kõigis faasides: tegelikult ehitavad nad pesa kokku (väga habras ja õhuke struktuur, mis on saadud puuoksa distaalse osa hargnemisel taimsete kiudude kudumisel), nad vahelduvad 2- Pimedate ja suletuteta koorunud 4 muna ja pesapoegade aretus lendavad umbes paarkümmend elupäeva ära ja muutuvad umbes poolteist kuud pärast koorumist vanematest täiesti sõltumatuks.

Kahvliksaba-drongo läbib Aafrika kägu ja must-valge kägu kooruva parasiidi [8].


Muusika ja matemaatika

See, et iga muusikaline akord on konfigureeritud arvsuhtena, on teadmine, mis tuleb kaugelt, isegi vabariigist ja Platoni Timaeusest. Cassiodoruse (6. sajand) jaoks on "muusika distsipliin, kus räägime numbritest".Augustinus (4. sajand) väidab, et muusika on "matemaatiliste struktuuride tundlik kiirgus". Seetõttu pole üllatav, et vabade kunstide puhul on muusika koos aritmeetika, geomeetria ja astronoomiaga ristmiku teaduste hulgas, mis koos ristmiku kirjandusdistsipliinidega moodustasid lääne haridusstandardi keskajast XIX sajandini. . Platoni kontseptsiooni leidub endiselt Nicola Cusanos (1401–1464), kelle jaoks Jumal kasutaks universumi igavese kindluse andmiseks muusikat oma aritmeetiliste proportsioonide ja geomeetriliste harmooniatega. Galileoga saab kahe uue teaduse diskursustes ja matemaatilistes demonstratsioonides (1638) analüüs täpsemaks: "Keelpillide pikkus, mitte pinge, pole muusikaliste intervallide vormide lähim ja vahetu põhjus. Paksus , kuid nii hästi on meie kõrva kuulmekile haavama minevate õhulainete vibratsioonide ja löökide osakaal, mis ikka samade ajamõõtude all pannakse värisema ». Saksa matemaatik Ch. Goldbachile 17. aprilli 1712. aastal saadetud kirjas sõnastab Leibniz kuulsa määratluse: "Musica est exercitium arithmeticae occultum nescientis se numerare animi" (muusika on okultistlik aritmeetika harjutus, millest mõistus pole teadlik. arvutama).

■ Pythagorase skaala. Harmoonia päritolu ja alus on arv: see on eeldus matemaatilisest paradigmast, mis kujutab muusikat ette heliarvuteadusena, ning eeldus muusika ja matemaatika viljakast läbipõimumisest - teadusharudest, millel on küll ühised kultuurisfäärid, kuid mis on ühised mitmesugused formaalsed aspektid: näiteks spetsiifiline keel, mis kipub välistama need, kes seda ei oska, ja absoluutne vajadus omandada selle õppimisel teatud pikaajaline ja nõudlik tehnilisus. Traditsiooni kohaselt pärineb muusikateaduse sünd Pythagoraselt, kes avastas amfora vett täis lüües, millele ta järk-järgult teise lisas, et sama noot on loodud, kuid teravam. Anekdoodi variandi annab kätte Chalcise Iamblichus (3. sajand pKr): Pythagorase intuitsioon on tingitud Crotone'i sepast, kes vasardas rauda erineva suurusega klubidega. Selliselt tekitatud müra hulgas olid mõned meeldivamad kui teised. Pythagoras nimetas neid kaashäälikuteks ja avastas, et need on tingitud haamritest, mille kaal on täpselt seotud. Anekdoodist kaugemale märkasid pythagorealased täpselt, et kahe sama pinge all olnud, kuid erineva pikkusega (vastavalt 1/2, 2/3 ja 3/4 esimesest) stringi vibreerimisega saadi eriti meeldivad helid (kaashäälikud) , tegelikult). See on meie kuulmise füsioloogiline struktuur, mis paneb meid helisagedusi tajuma pigem multiplikatiivsel kui additiivsel viisil: lühidalt, kõrvaga "loeme" geomeetrilises progressioonis, samal ajal kui sõrmedega ühikut ühikule lisades loeme vastavalt aritmeetilisele progressioonile.

Nagu me tänapäeval teame, on vibratsiooni pandud pingutatud stringi poolt väljastatud heli põhisagedus (märkus) otseselt proportsionaalne pinge ruutjuurega, millele string on allutatud, hoopis pöördvõrdeline selle pikkusega, ruutjuurega selle tihedusest ja sektsioonist. Näiteks neljakordse kaalu abil venitatud stringi emiteeritud noodil on kahekordne sagedus: öeldakse, et see on oktavivahe eelmisest ja seda tajutakse kui "võrdset", kuid teravamat. Sama tähelepanekut võib korrata ka pikkuse osas: lühendades nööri ja vajutades seda eriti pooleks pikkuseks ning kitkudes seejärel ühe selle poole, saate noodi ühe oktaaviga kõrgemale.

Nendele suhetele tuginedes, korrutades protseduuri ja tagastades sageduse esimese oktaavi piires (intervall ühe noodi ja topelt-sagedusega), konstrueerisid Pythagoreans seitsme noodi skaala, mis on tähistatud tavapäraste tähestike (A, B , C, D, E, F, G), nagu esineb germaani ja anglosaksi riikides, või silpide DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI abil - Guido d 'Arezzo (991-1033) kujul TÜ, RE, MI, FA, SOL, LA, keskaegse hümni värsside algusajast Püha Johannese juurde. Skaala koostatakse akordi põhisagedusest, mis võetakse ühtsena ja korrutatakse või jagatakse 3/2-ga. Nii toimides tõuseme või langeme viiendiku võrra, korrutades 3/2 või 2/3, saame selle suhe, mida nimetatakse Pythagorase skaalaks (ehkki see pärineb tegelikult Eratosthenesest, kolmandal sajandil eKr).

Pythagorase matemaatilise süsteemi muusikateooria põhineb muusikalise heli kujutamisel lihtsate täisarvude suhtarvude kaudu: kvaternaar (st arvud 1–4). Alustades Pythagorasest, pakuti Vana-Kreekas igas matemaatilises traktaadis alati muusikat käsitlevat peatükki. Siiski tekitab Pythagorase skaala mõningaid probleeme. Kahe järjestikuse noodi vahel, mis on ühe tooni kaugusel, s.t C-D, D-MI, FA-SOL, G-A, A-SI, on suhe 9/8 kahe järjestikuse noodi vahel, mis on ühe pooltooni kaugusel - st E- FA ja SI- DO - suhe on hoopis 256/243. Teisisõnu, ühe tooni võrra ülespoole ja kahe pooltooni võrra alla minnes ei lähe te alguspunkti tagasi, kuna korrutis 9/8 kuni ruut 256/243 on umbes 1,0136, mis (kuigi veidi) on erinev alates 1. See tähendab, et Pythagorase skaala kujutab endast viiendike spiraali, mis on lõpmatu mõlemas suunas.

■ Sfääride muusika. Sfääride harmoonia sugestiivne hüpotees on pärit ka Pythagorase traditsioonist - teooriast, kus arvu sümboolika ja harmooniliste proportsioonide matemaatiline teooria on tihedalt seotud universumi tekkimise ja järjestuse uurimisega. Selle teooria kohaselt tekitavad tähed oma eetri kaudu liikumisega helisid, mis ei ole inimkõrvale selle konstitutiivse ebatäiuslikkuse tõttu kuuldavad. Teooriat kirjeldab Platon vabariigi viimases raamatus ja Timauses selle viimase dialoogi kohaselt eeskujulikult, jumalik demiurg koostas maailma hinge muusikalise harmoonia põhimõtete järgi, jagades asjade olemuse seitsmeks algosaks. kaks progressiooni (aritmeetiline ja geomeetriline) põhjusega 2 ja 3. Pythagorase päritolu on ka iidsete keelte planeetide sfääride (sel ajal: Kuu, Päike, Merkuur, Veenus, Marss, Jupiter, Saturn) traditsioonilised ühendused. heptacorde lüüra ja seitsmest planeedist seitsmele helile, mis moodustavad kaks tetrakordi, mis ühinevad ja langevad kokku ühises noodis, mése, mis oli algselt lüüra keskne akord, millel muusikud reguleerisid oma pilli akordi. Aleksandria matemaatik Ptolemaios (2. sajand pKr) täiustas ja väljendas seda analoogiat harmoonikas ja tetrabiblos, kuid juba Cicero (1. sajand eKr) Somnium Scipionis (De Republica kuues raamat) kirjeldas taevasfääride eraldatava heli erinevat sagedust. : äärepoolseimad väljastavad kõrgemaid helisid ja sisemised madalamalt. Macrobiuse (4. – 5. Sajand pKr) ja Chalcidiuse (4. sajand pKr) kaudu oli Platoni ja Pythagorase matemaatilis-muusikalise traditsiooni varandus tagatud ka varasel keskajal, kui sfääride iidne muusika pandi järk-järgult üle "jumaliku muusikana". »Alates planeetidest (tõeline taevas) kuni kristliku taevani, et esindada harmoonilist suhet Jumala ja tema loodute vahel. Doktriin sfääride muusikast levis Läänes kõigi sajandieelsete muusikaliste traktaatide tavalisena. xviii. See teadis ka Kepleri tänapäevaseid ümbersõnastusi, kes Harmonices mundi libri quinque (1619) kolmandas raamatus tuletas muusikalised harmooniad ringi sisse kirjutatud korrapäraste hulknurkade hulgast ja rakendasid neid häälte liikumisel (musica instrumentalis), looduse liikumine (astroloogiline muusika) ja planeetide (musica mundana) liikumine, mis saastavad geomeetriat, muusikat ja astronoomiat, ning helilooja nagu Paul Hindemith (1895-1963) tänapäevased ümbertõlgendused teoses Die Harmonie der Welt (The maailma harmoonia, 1957).

■ Looduslik (või Zarlini) skaala. Pythagorase konsonantsid püsisid muusikalise kompositsiooni vundamendis kuni 13. sajandini. xii-xiii, kui mitte ainult järjestikuste, vaid ka samaaegsete heliskaalade kasutuselevõtt hõlmas intervallide (kolmandikud ja kuuendikud) kasutamist, mis pole võrreldavad Pythagorase teooriaga, mille Boethius kokku võttis (5. - 6. sajand pKr). Sajandi teisel poolel. xv, Veneetsia, muusikateoreetik ja helilooja, frantsiskaanlane Gioseffo Zarlino (1517-1590) julges vaidlustada Pythagorase ja Boethiuse autoriteeti helinumbrite teaduse kohandamiseks kaasaegse muusikapraktikaga. Oma harmoonilistes institutsioonides (1558) tutvustas ta nn looduslikku (või zarlini) skaalat. Pythagorase süsteem põhines looduslikel arvudel kuni 4 ja nende osakaal, mis andis oktaavi (4/2 = 2), lagunes viiendaks (3/2) ja neljandaks (4/3) ning kokkuleppele DO- SOL-DO.

Zarlino juurutatud uuenduses võeti arvesse ka numbreid 5 ja 6 (mida Pythagorealased müstiliste või maagiliste numeroloogiliste tõekspidamiste tõttu ei aktsepteeri) ja nende suhteid, millest tekkis viiendik (6/4 = 3/2) jaotatuna suurem kolmandik (5/4) ja alaealine kolmandik (6/5) ning CEG-i akord. Zarlini skaalatabelis

suhted on lihtsamad: mõned on Pythagorase omadega võrreldes muutumatud, teised erinevad koguse poolest, mida inimkõrv ei taju. Kuid probleemid püsivad, tõepoolest mõnes mõttes suurenevad. Kui Pythagorase skaala ehitati alates toonist (9/8) ja pooltoonist (256/243), siis Zarlini skaalal on kaks erinevat tooni (suur ja väike, 9/8 ja 10/9) ja pooltoon (16 / 15). Kui Pythagorase skaalal ei vasta pooltoon ideaalselt poolele toonile, siis Zarlini skaalal ei vasta pooltoon ideaalselt kummagi tooni poolele. Peame jätkuvalt seisma silmitsi olukorraga, kus kaks pooltooni ei anna tooni ja tsükli lõpus pole need kaks nooti ühesugused.

Descartes Compendium musicae'is (kirjutatud 1618. aastal, avaldatud 1650. aastal) lihtsustas Zarlini senarot, märkides punktides 2, 3 ja 5 (harmooniline kolmkõla) helilised numbrid, mis vastavad oktaavi, viienda ja suurema kolmandiku konsonantsidele.

■ Temperament. Nende probleemide lahendused läbisid nn temperamendi, mis seisneb pillide häälestamises veidi häälestatult, et muuta erinevad intervallid omavahel tasakaalus. Kuueteistkümnenda sajandi alguses pakuti välja mesotooniline temperament, mis põhineb ühel toonivahemikul, mis võrdub √ (5/2). Galileo isa, Zarlino jünger ja barokkmuusika eelkäija Vincenzo Galilei (1520-1591) tegi ettepaneku muuta looduslikku skaalat, võttes kasutusele pideva pooltooni, mis võrdub 18/17. Tema lahenduse vaidlustas XVII sajandi alguses matemaatik S. Stevin, kes pakkus välja nn võrdse temperamendi. Nii saadi aru, et ratsionaalsetest arvudest ei piisa ja et murdude kasutamisel püsimine viis tupikusse. Tegelikult on pooltoonide võrdsuse nõudmine võrdne võrdsuse arvestamisega, mille puhul kahe järjestikuse DO vaheline suhe on võrdne k 12-ga, kuid kuna need kaks DO-d on üksteisest oktaavi kaugusel, on meil võrrand k 12 = 2. Saame seega pooltooni irratsionaalne väljend, millest Pythagorase ja Zarlini skaalal kasutatud eelnevad ratsionaalsed väljendid moodustavad defektide ja liialduste lähendused. Aastal 1691 tutvustas saksa muusik Andreas Werckmeister (1645–1706) nn head temperamenti, temperamenti, mis koosnes 5 mesotoonilisest viiendikust ja 7 Pythagorase viiendikust, millega ta suutis viiendite tsükli peaaegu ideaalselt sulgeda. Selle skaala tähistab pöördeaega muusikaajaloos - seda kirjeldab ka ungari režissööri ja stsenaristi Béla Tarri filmis „Werckmeisteri harmooniad“ (2000) - eriti hindas seda Johann Sebastian Bach (1685–1750), kes kasutas see tema hea temperamendiga klavessiinis. Bachi muusika sügav matemaatiline inspiratsioon on üldtunnustatud. Ta armastas numbreid ja omistas mõnele neist erilisi sümboolseid tähendusi, nii palju, et on öeldud, et paljud tema muusika leheküljed on konfigureeritud salajasteks aritmeetilisteks harjutusteks.

Irratsionaalsuste avastamine ja üha adekvaatsemate skaalade ülesehitamine esindavad ühelt poolt tehnilist uuendust, kuid teisalt viivad muusikateoste endi ümbermõtestamiseni: näiteks võrdne temperament tõi kaasa tonaalsuse kontseptsiooni, mis koos suur rõhk akordidel, see tähendab samaaegselt mängitud nootide suhetel.

■ Füüsikalis-matemaatiline paradigma: muusika kui teadus helikehast. Kui teoreetiline muusika oli tänapäevani harmooniat selgitanud heli füüsikalise olemuse suhtes ükskõikselt matemaatilise paradigma kaudu, siis sajandi muusikateadus xvii leidis selle asemel helikeha sisemuses harmoonia. Juba Aristotelese loodusfilosoofias oli heli tundlik kuulmise kvaliteetobjekt ja muusika oli distsipliin, mis rakendas harmoonia uurimisel loomulikke seletusi. Kuueteistkümnenda sajandi teisel poolel oli G.B. Benedetti oli heliallika poolt õhus tekitatud vibratsioonidele rakendanud aristotelese ajakäsitlust liikumise mõõtmena, pakkudes konsonantsi füüsilist selgitust. Seejärel jätkati Vincenzo Galileiga rünnakut muusika aritmeetiliste universaalide vastu. Ta astus numbri täiuslikkuse vastu "meistrite asjade kogemusega", mis näitas talle helinumbri sõltuvust helikeha materiaalsetest tingimustest: paela pinge, lõik, materjali mass jne. Liikumise ülimuslikkus numbri ees oli XVII sajandi mehhanistliku muusikateaduse eeldus. Teoses Harmonie universelle (1636-37) tõlkis M. Mersenne augustiinlaste universaalse harmoonia kontseptsiooni Archimedese mehaanika keelde, sõnastades vibreeriva stringi esimese füüsikalis-matemaatilise seaduse. Ajakirjas Discorsi (1638) rajas Galileo Galilei harmooniateaduse, assimileerides stringi perioodilised võnked pendli jaoks määratletud lihtsa harmoonilise liikumise seadusega, ja iidsest helitugevuse teadusest sai peatükk mehaanikast. elastsed kehad. Mersenne ja Galileo poolt sisse seatud füüsikalis-matemaatiliste harmooniaseaduste uurimine viis sajandi lõpuni xvii ja kaheksateistkümnenda algus kõrgemate harmooniliste avastamiseni läbi stringi samaaegsete vibratsiooniliikumiste vaatlemise. Pythagorase mõistega helinumbrid leidsid aluse helikeha tekitatud harmoonia füüsilistele põhjustele. Teadmata kaasaegse muusikateaduse arengut, oli XVII sajandi harmooniline teooria püüdnud ratsionaliseerida barokkmuusika akordistruktuure, mida stimuleeris basso continuo praktika, uurides selle päritolu põhiakordist. Need kaks loodusliku ja muusikalise harmoonia päritolu uurimise autonoomset traditsiooni kohtusid esmakordselt XVIII sajandi esimesel poolel Jean-Philippe Rameau (1683–1764) kirjutistes. Integreerides harmoonilise mõiste "põhibass" füüsilise "põhiheli" mõistega, reformis Rameau harmooniateooriat XVII sajandi teadusrevolutsiooniga sündinud eksperimentaalfilosoofia tulemuste ja uurimismeetoditega, sundides muusikat Euroopa teaduskultuuri päeva järjekord. Oma Traité de l'harmonie réduite à ses principes naturels (Traktaat harmooniast, mis on tagasi viidud oma loomulike põhimõtete juurde) kirjutab ta: "Muusika on teadus, millel peavad olema teatud reeglid, mis tuleb välja tõmmata ilmsest põhimõttest ja seda põhimõtet ei saa ilma matemaatika abiga. Pean tunnistama, et hoolimata kõigist kogemustest, mida olen saanud muusikas omandada, alates piisavalt pikast praktiseerimisest, on minu ideed siiski lahti harutatud ainult matemaatika abil ja valgus on õnnestunud teatud pimeduses. mida ma polnud varem märganud. "

■ Heli levimine. XVIII sajandil mõistsid matemaatikud paremini heli olemust ja oskasid selle levikut analüütiliselt kirjeldada. Heli tekitamiseks vajate kõigepealt vibreerivat elastset keha (näiteks nööri), mis edastab selle vibratsiooni õhku järjestikuste molekulikihtide vahelduvate kompressioonide ja harulduste kujul. Aastal 1747 J.-B. Esimesena leidis Le Rond d'Alembert võrrandi, mis kirjeldab kahe punkti vahele venitatud ja vibratsiooni asetatud stringi üldise häire levikut. D'Alemberti võrrand - teise astme, lineaarne ja homogeenne, osaline diferentsiaalvõrrand - tunnistab üldlahendusena kahe ristisuunalise laine summat, mis levivad akordil vastassuunas ja mida nimetatakse progressiivseteks ja regressiivseteks laineteks. Tema panuse selgitasid ka siin arutletud kolme matemaatikut puudutavad vaidlused Euleri poolt, kes pani teaduse aluse superpositsioonipõhimõttele - mis tahes häiringuid saab väljendada tasapinnaliste lainete kombinatsioonina - ja Daniel Bernoulli (1700–1782) , Jacob Bernoulli poeg, kes väljendas heli harmooniliste võnkumiste lõpmatu summana. Seega annab tasapinnalise võrrandi üldlahenduse trigonomeetriline jada ja iga vibreeriva stringi poolt eraldatav heli on selle lõpmatu harmoonika summa. Seega on muusikaliste intervallide "õige helikõrguse" kontseptsiooni alusel võimalik anda biitidele ja sekkumisnähtusele põhjendus, mis ei põhine enam ainult tuunerite praktikal. Bernoulli uskus, et ta on trigonomeetrilise rea abil kirjeldanud teatud tüüpi helisid (neid, mis tekivad vibreerivate stringide abil), kuid veel ühte suurt prantsuse matemaatikut J.-B.-J.Fourier jõudis järeldusele, et Bernoulli lahendus kehtib iga heli kohta: iga perioodilist funktsiooni saab väljendada trigonomeetrilise rea kaudu. Ta kirjutas tegelikult veel ühest fundamentaalsest osalisest diferentsiaalvõrrandist, et "kui selle lahendusi oleks võimalik kuulda, annaksid need meile muusikalise harmoonia tunde".

Fourieri kaastööd asuvad XIX sajandi alguses. Sajandi jooksul avastas matemaatika prantsuse matemaatiku inspireerivatest põhimõtetest erinevas suunas maitse märgatava abstraktsiooni ja formalismi järele, mis näib kaugendavat kontakti tegelikkusega. Üheksateistkümnes sajand on sajand mitte-eukleidilistest geomeetriatest, kvaternionidest, esimestest algebralistest struktuuridest, funktsionaalse analüüsi sünnist. Kalduvus matemaatika poole, mille puhul peetakse kinni ainult vastuolude põhimõttest ja piirangutest, mille ta ise meelevaldselt otsustab anda, on 20. sajandi jooksul rõhutatud ja selle pöördepunkti kajastused ei anna end kaua tunda. muusika ajalugu.

■ Dodekafooniast stohhastilise muusikani. Reaktsioonina 19. sajandi Euroopa romantilisele traditsioonile registreerisid 20. sajandi esimesed aastakümned muusika valdkonnas stiiliuuendusi, mis õõnestasid muusikakordide konsonantsi / dissonantsi põhimõtet. Arnold Schönberg (1874-1951) koos oma õpilaste Alban Bergi (1885-1935) ja Anton Weberniga (1883-1945) tühistas kõik tonaalsed normid, alustades atonaalsuse ja dodekafoonia ajastut - kompositsioonimeetodit, mis kasutab kaksteist heli kromaatiline skaala, mis on vaba vastastikustest ja hierarhilistest harmoonilistest suhetest ja mis on ümber korraldatud ka kombinatoriaalsete tehnikate abil vastavalt sarja põhimõttele (sellest ka terminid jadavus ja seeriamuusika). seeriamuusika konstruktiivne põhimõte põhineb rangelt ettemääratud helide järjestusel, mida nimetatakse seeriateks. Ilma et see piiraks seeria intervallide suhet, saab helide paigutust muuta inversiooni-, retrogradatsiooni- ja retrogradatsiooniprotseduuride abil. Võimalikud on ka seeria ja selle derivaatide üleviimine kromaatilise skaala kõigil kaheteistkümnel astmel. Seeria esimene süstemaatiline kasutamine toimus 20. sajandi kahekümnendatel aastatel dodekafoonia kontekstis, isegi kui on näiteid (nagu näiteks Igor Stravinskij, 1843-1902 ja Gian Francesco Malipiero, 1882-1973) järjestikuse korralduse kohta. ka diatoonilises muusikas ja tonaalses. Weberni-järgsetes avangardkoolides (1950. aastate algus) laiendatakse jadastamise põhimõtet kõigile heliparameetritele, näiteks: tämber, dünaamika, rünnakurežiimid, intensiivsus, kestused jne. Olivier Messiaen (1908-1992) üritab samu võtteid rakendada nii helikõrguste kui ka muusikalise kompositsiooni muude elementide suhtes - uurimistee, mis viib Pierre Boulezi (1925-2016) "lahutamatu serialismi" juurde. Messiaeni huvi matemaatika vastu pärineb lapsepõlvest: "Kui ma olin laps, armastasin juba algarvusid, need numbrid, mis (lihtsalt sellepärast, et nad ei ole jagatavad), tekitavad varjatud jõudu" (Claude Samuel, Permanences d'Olivier Messiaen. Dialogues et commentaires , 1992). Seda huvi kinnitavad mõne tema kompositsiooni pealkirjad, kus ilmnevad matemaatilised mõisted nagu permutatsioonid, sümmeetriad, arvude jaotused, algarvud, perioodilisus. Mõnes kahekümnenda sajandi suurimas heliloojas pole mingil juhul spetsiifilist matemaatilist kultuuri: enne Pariisi konservatooriumisse astumist oli Boulez Lyonis õppinud matemaatikaõpinguid lannis Xenakis (1922-2001), helilooja ja muusikateoreetik, kes oli õppinud Messiaeni juhendamisel oli tal inseneriharidus ja ta tegi koostööd Le Corbusieriga olulistes arhitektuuri- ja linnaprojektides, nagu näiteks Philipsi paviljoni loomine 1958. aasta näitusel Brüsselis. Markovi ahelateoorial põhineva stohhastilise muusikaga tõi Xenakis 1955. aastal muusikasse tõenäosuse: muusikalise kompositsiooni töötavad välja tõenäosuslikult määratletud formaalsed protsessid. Need protsessid, kuigi need ei võimalda üksikute sündmuste täpset määramist, võimaldavad süsteemi ülemaailmset juhtimist ja selle üldist käitumist selles stohhastilises muusikas eristab juhuslikust muusikast selle poolest, et juhuslikkuse põhimõttele tuginedes juhindub see siiski ranged formaalsed reeglid, mis määratlevad selgesõnaliselt kompositsioonimudeli. Xenakise muusika kuulub juba ajajärku, mida iseloomustavad arvutikasutus ja helide elektrooniline süntees (isegi kui muusika tootmiseks on valemite otsimine palju vanem): esimene kompositsioon, mis kasutab uusi tehnoloogiaid, on 1957. aastal. Illiaci komplekt keelpillikvartetile, mille on loonud helilooja Lejaren Hiller (1924-1994) ja Illinoisi ülikooli matemaatik Leonard Issacson. See on rännaku viimane etapp, mis antiik-Kreekast alates on näinud muusikat ja matemaatikat paralleelsetel radadel, kuid üksteisele väga lähedal, nii lähedal, et nad võivad visata palju "käiguteid" ühe ja teise vahele.


Harilik öökull suunas

Nahahoolduse, seerumite ja silmamaskide poole-LOOKFANTASTIC U

  1. Verso, madalad hinnad. Ühendkuningriigis tasuta kohaletoimetamine abikõlbliku tellimuse korral
  2. Ainult teile allahindlus - kasutage koodi JBGOI. Turvaline tellimus 200 päeva. Nõuanded kogenud Sp
  3. Harilik öökull: salm ja tähendus Keskmise suurusega öökull on öine röövlind, kes kaalub umbes pool kilogrammi ega ulatu poole meetri pikkuseks, tõepoolest, isegi mitte 40 sentimeetri pikkuseks. Linnu mõõdetakse ka tiibade siruulatuse järgi ja tema suurus võib olla umbes üks meeter
  4. a-l on laul, mis on sarnasem öökullile. Siin on salmid, mille on välja lasknud täiskasvanud öökull
  5. allpool aitame teil kahte laulu eristada

Hariliku öökulli (laulu) laul. Peter Trimming Strix aluco. Muud strigiformid. Uurali öökull. Scops Owl. Harilik öökull. Suur peakull. Harilik öökull. Harilik kääbuskull. Pika kõrvaga öökull. Lühikõrvane öökull. Kotkakull. Alaudidae (4) Alcedinidae (1) Alcidae (1) Anseriformes (25) Apodiformes (1) Ardeidae (9 Öökull on istuv ja öine lind, tema looduslikku elupaika esindavad okas- ja lehttaimedega metsad (nn lehttaimed) ) pesana kasutab see ära igasuguseid õõnsusi, mida võib leida taimedest või isegi vanadest mahajäetud hoonetest, ning leiab sageli varjupaika ka mägrade ja küülikute urgudest. Öökullilaul õhtul Monte Tarino metsas - Monti Simbruini Regional Natural Park (Lazio Itaalias on punane öökull laialt levinud kõikjal mererannikutelt kuni 1500–1800 m kõrgusel, kui on metsaseid keskkondi, isegi degradeerunud. See koloniseerib sageli kesklinnasid monumentaalsete alade ja parkidega (Pavia, Trento, Siena, Rooma, Torino, Bergamo). Hinnanguline elanikkond Itaalias (45 000–70 000 paari)

Ükski sellest pole öökulli salm, mis on eksimatu nende jaoks, kes õpivad seda vähemalt korra ära tundma. Täna räägime sellest imelisest liigist, Strix alucost. Lisaks hariliku öökulli ja tema värsi üldisele kirjeldusele näeme ka seda, kus ta elab, mida ta sööb, kuidas ta pesitseb ja millised on menüüs kõige ihaldatumad saagid kõik. kõik s. m. [lad. hiline alucus, ulucus ja uluccus, onomatopoeetilist päritolu] (pl. - chi). - 1. a. Umbes nelikümmend sentimeetrit kõrge röövlind Strigiformes (Strix aluco), väga levinud metsades, parkides, aedades Põhja - Aafrikas, Euroopas (välja arvatud kõige põhjapoolsemad alad) ja Lääne - Aasias triibuline sulestik,.

Harilik öökull (Strix aluco) on kõige häälekam liik ja võib-olla kõige ilusam kuulata ja uuridaLihtne ära tunda laulu järgi, mis peaaegu sarnaneb ulgumisele (isane), samal ajal kui emasel on kähedam ja kähedam laul. Öökull on öine röövlind, kes on kõike muud kui rumal, kuid tema suured ümarad silmad, fikseeritud ja vabad, annavad see on rumal väljend, eriti kui valgus pimestab. Kas soovite kuulda, mida öökull räägib? Kas soovite teada, kuidas öökulli salmi nimetatakse? Kui jätkate artikli lugemist. Alustuseks meenutagem, et öökull on Strigidae sugukonda kuuluv röövlind, kes asustab Euroopa, Aasia ja Põhja-Ameerika tihedaid metsi ja metsi. See on öine loom, kes toitub väikestest loomadest.

öökull. [al-lòc-co] muudetud kujul (pl. -chi) 1 Halli kuni pruuni sulestiku ja suurte tumedate silmadega öine röövlind. 2 joon. (f. -ca, pl. -che) Rumal, kohmakas inimene SIN rumal, gonzo. . Kui ta ei laula ega liiguta oma pruuni silmi, kutsume teid üles teda üles leidma. ET: Tawny Owl (Strix aluco) helis. Kui.

Vastused määratlusele * Tõeline öökull * ristsõnade ja muude puzzle mängude jaoks, nagu CodyCross. Vastused ristsõnadele, mis algavad tähtedega G, GU Kuulake harilikku öökulli saidil canti-birds.it, mis on ammendav Itaalia linnukõnede kogu. See töötab ka teie liikuval öökullil (süvenev) m sing (zooloogia) (ornitoloogia) perekonna Stryx öine röövlind, järjekorras Strigiformi, ümmarguse pea ja tumedate silmadega, umbes nelikümmend sentimeetrit kõrge, selle teaduslik klassifikatsioon on Strix aluco (taksonoomia) ) (tähendab piltlikult) rumal üksik öökull (Strix aluco

Verso - Amazos

  • cia territooriumi kaitsmiseks, samal ajal kui tüürimees otsib pesa majutamiseks sobivat kuristikku. Igal aastal muneb paar keskmiselt 2-3 muna, mis kooruvad umbes kuu pärast
  • Washingtoni, Oregoni ja California osariigi päritolu Strix occidentalis caurina isendite uurimine. Alates 1960. aastast on tõkestatud öökull oma leviala laiendanud Ameerika Ühendriikide lääne suunas, võib-olla ka selle tõttu, et kohal on inimene, kes on loonud selle liigi jaoks uued ideaalsed elupaigad [6].
  • Kuid lollid - nagu ka näitlejate hirmutamiseks - kasutavad oma häälitsusi muudel põhjustel. Öökulli isane kasutab oma jõulist üleskutset territooriumi kaitsmiseks teiste sama liigi isendite eest, kes võiksid tema partnerit õõnestada, ja seetõttu on laul kodukandi määratlemisel esmatähtis etoloogiline signaal.
  • Sellel on suur ja ümar peaga, mis saab pöörata 270 °, silmad on ümmargused ja suured, ümbritsetud kreemikate ketastega. Allocco on levinud ja laialt levinud liik kogu Euroopas ja Aasias ning puudub ainult Iirimaalt, Šotimaalt, Skandinaavia poolsaarelt ja Põhja-Venemaalt.

Allocco - Strix aluco Itaalia metsloomade atlas - linnud Süstemaatiline klassifitseerimine ja levitamine. Klass: linnud: Strigiformes Perekond: Strigidae Perekond: Strix Liik: aluco Harilik öökull on laialt levinud liik Euraasias ja Loode-Aafrikas. Uurali öökull Itaalias on pesitsenud alles alates 1994. aastast, esimesed pesad on täheldatud Friuli-Venezia Giulias. Samuti on ta osav jahimees tänu nii kuulmisele kui ka nägemisele, kuid ennekõike puude koorega väga sarnase värvi sulestiku poolest - omapärane omadus, mis võimaldab tal metsas sulanduda. Tõlked öökulli kontekstis itaalia-inglise keeles Reversost Kontekst: Harilik öökull on Euroopa Strigidae'st kõige levinum ja levinum


Video: Defending the Post Trib Rapture - Scripture Simplified